Auf der Bühne trinkt Uhlmann Wasser, Bier und vor allem Wein quer durcheinander, mokiert sich darüber, dass er der einzige Rockstar sei, der eben dafür ausgelacht werde. Von den ganzen „Schlauis“ im Tomte-Publikum, die gegen die Band denken statt mit ihr. Wäre er ein Rapper, sagt er, er wäre der einzige auf der Welt, der sich selber disst.

Wenn man Thees Uhlmann so erzählen hört, zwischen den großartigen musikalischen Darbietungen seiner immer bunteren Band, dann wünscht man sich, dass er eine Kolumne schreiben würde, ein öffentliches Tagebuch, oder warum nicht gleich einen Roman. Ich würde ihn auf der Stelle kaufen.

Und doch ist es ein anderes Bandmitglied, in das ich mich aufs Neue verliebt habe, das aus dem Schatten Uhlmanns charmante Pfeile ins Publikum schießt und es so für sich gewinnt: Simon Frontzeck. Als wir ihn vor gut einem Jahr zum ersten Mal mit Tomte sahen, war er noch aushilfsweise dabei, wenn ich mich recht erinnere. Sein breites Grinsen legte er das ganze Konzert über nicht ab. Der Typ war genau da angekommen, wo das Glück war, und schien es immer noch nicht fassen zu können. Das habe ich jemandem noch nie so deutlich angesehen.

Das Wunderbare ist: Dieses Grinsen hat er nicht verloren. Und das, obwohl er inzwischen als Mann für die Tasten festes Bandmitglied ist. Wobei man am „Mann“ jedes Mal wieder zweifeln möchte – weil er immer noch so aussieht, als hätte er gerade das Abi bestanden und wäre jetzt der Praktikant der Band. Kein Wunder also, dass Thees Uhlmann ihn „eine Mischung aus Harry Potter und Keanu Reeves“ nennt – und dafür einen Mittelfinger erntet.

Aber selbst das sieht noch süß aus von dem Jungen, der binnen eines Konzertes – und gern auch mal innerhalb eines Liedes – Flügel, Orgel, Melodica und Xylophon bedient. Wenn er die spielt, ist das so leidenschaftlich und so gut. Und dann dreht er sich um, legt die Füße auf die Monitorbox und schirmt mit der Hand die Augen ab, um das Publikum erkennen zu können. Da ist es um mich geschehen.

Trotzdem darf man und möchte ich nicht vergessen, dass Frontzeck nur einer von sechs Leuten ist, die diese Band so besonders machen. Alle zusammen fabrizieren sie eine Musik, die die inspirierendste und ehrlichste ist, die man in Deutschland hört. Warum also sollte man nicht ewig grinsen, wenn man bei so etwas mitmachen kann?

Und überhaupt: „Harry Potter kann zaubern, und Keanu Reeves ist in der MATRIX“ – was will man mehr?!

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“Die Leute sagen immer, Musiker wären so egozentrisch. Aber was sollen wir auch sonst sein?”

Vor dem Betreten des Kinos bekommen wir dieses Mal ein Geschenk: Einen Glückskeks, dessen Botschaft wir im Dunkel des Vorführraums kaum lesen können. Erst Zuhause sehen wir, dass es sich bei dem Text nicht um ein beliebiges Konfuzius-Zitat handelt, sondern um eines aus „Trip to Asia“, der neuen Dokumentation von Thomas Grube. Er hat schon mit „Rhythm is it!“ große Erfolge gefeiert und nimmt sich nun der Berliner Philharmoniker an, die bei seiner vorangegangenen Produktion noch eine Art Nebenrolle spielten.

Nun hat er sie auf ihrer Asientournee begleitet. Grube und sein Team waren während der Konzerte dabei – vor und hinter der Bühne -, bei den Proben, den Vorbereitungen, sogar, wenn die Musiker einen freien Tag hatten. Die großartigen Bilder, die sie dabei sammelten, wechseln sich ab mit buchstäblichen Nahaufnahmen der Musiker.

In tiefgehenden Interviews erzeugt der Film bruchstückhafte Charakterisierungen von der Violinistin bis zum Trompeter, von der Piccoloflötistin, die mitten in der Probezeit steckt, bis hin zum Cellisten, der kurz vor seiner Pensionierung steht. Sie alle sprechen sehr persönlich, sehr ehrlich über den Druck und das Glück, in dem weltberühmten Orchester zu spielen. Dabei wird klar, dass diese Tätigkeit auch eine ständige Reflexion bedeutet, ein Nachsinnen über die Essenz dieses Berufs und dieses großen Kollektivs.

Viele der Aussagen lassen sich aus dem musikalisch-künstlerischen Zusammenhang in das eigene Leben übertragen. Sie regen so sehr zum Nachdenken an, dass ich mir nach zwei Dritteln leise wünschte, ich könnte eine kleine Pause haben, um alles zu verarbeiten. Auf der anderen Seite aber hielt es mich in meinem Sitz, da der Film neben der großartigen Wortebene noch andere Qualitäten hat.

Man mag an Dokumentationen grundsätzlich viele Ansprüche stellen dürfen. Bei einem solchen Film ist der Ton allerdings so wichtig wie bei keinem sonst. Dennoch beschränkt man sich im Vorfeld auf hohe Erwartungen an den Ton der dargebotenen Stücke. Dabei handelt es sich in „Trip to Asia“ übrigens um Werke von Beethoven, Strauß und des zeitgenössischen Komponisten Thomas Adés. Deren Qualität ist makellos, ganz wunderbar – was aber die Arbeit der Tonleute und Sounddesigner so hervorstechen lässt, sind die Klangcollagen, die auf einmalige Weise den Gegensatz zwischen dem gesitteten, ruhigen, westlichen Orchester und der hektischen asiatischen Welt einfangen. Dazu kommen wunderbare Schnipsel, die während der Proben aufgenommen wurden. Hier hatte man jeden Musiker mit einem Mikrofon ausgestattet, die es im Nachhinein ermöglichten, einzelne hervorzuheben. Dieses „Belauschen“ ist eine herrliche Innovation („Dieser Stuhl ist viel zu klein… Das ist doch wirklich ein Scheißstuhl!“).

Nicht zu vergessen natürlich die Bilder, die stets entweder das asiatische Treiben neutral beobachten oder als symbolische Schnittbilder verwendet werden, welche die tolle Dramaturgie des Films unterstützen. Alle Übergänge und überhaupt die Gliederung sind sehr gelungen und lassen den Zuschauer und –hörer nur so durch die 112 Minuten gleiten.

Am Schluss steht dabei weniger ein Reisebericht als ein Versuch, die Faszination Orchester in ein kleines Stück Kinogeschichte zu fassen. „Trip to Asia“ ist eine Dokumentation, die ohne Kommentator auskommt, ohne Einführung oder Beipackzettel – weil jeder einzelne Ausspruch darin einen Zettel in einem Glückskeks wert ist.

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Tegan and Sara, das sind eineiige (!) Zwillingsschwestern aus Kanada, 1980 geboren, die sich als Kinder nach eigener Aussage überhaupt nicht verstanden. Erst als sie später in ganz unterschiedliche Teile ihres Heimatlandes zogen, wandelte sich ihre Beziehung. Jetzt sind die zwei eine Band, die mit vielen Gitarren und stets zweistimmig bald ihre fünfte Platte präsentiert.

Erste Stücke aus „The Con“ gab es im Stadtgarten bereits zu hören. „Obwohl es hier noch nicht erschienen ist“, vermutete Tegan, „werdet ihr wohl schon einige Lieder kennen. Unsere Plattenfirma möchte davon nichts wissen, aber WIR wissen sehr wohl, dass es dieses magische Ding namens Internet gibt.“ Und tatsächlich: Schon bei den ersten Takten ihrer neuen Single beginnt das Publikum zu jubeln.

Die beiden jungen Frauen, die mit ihren schrägen Frisuren und tätowierten Armen so wild scheinen, stellen sich schnell als sehr charmant heraus. Gern erzählen sie zwischendurch lustige Geschichten – und auch mal weniger lustige. So beschreibt Sara, wie depressiv sie war, als sie den Song „Monday Monday Monday“ schrieb. Davon ist an diesem Abend aber rein gar nichts mehr zu spüren. Mit drei Männern an Bass, Gitarre und Schlagzeug im Rücken amüsieren die zwei ihr Publikum mit Liedern über komplizierte Beziehungen, mit ihrem herrlich feinen Humor und tollen Stimmen.

Tegan and Sara mögen Deutschland, weil hier „jeder so guckt, als würde er dich verstehen, auch, wenn er es gar nicht tut“, und obwohl alles so teuer ist. Deshalb kommen sie wieder: Im Februar schon. Und wer das sehen will, sollte es im Kalender festhalten und rechtzeitig Karten kaufen – sonst ist bestimmt wieder ganz schnell ausverkauft.

Borkener Zeitung

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Es begann mit einem 19-Jährigen Traunsteiner. Christina Kretschmer schreibt über ihn, „Bayern hat jetzt auch einen Conor Oberst“, und spricht damit so wahr. Er heißt Josef Wirnshofer, aber in ein, zwei Jahren werden ihn alle nur noch als The Marble Man kennen. „Marble“ ist er allerdings auf keinen Fall: Seine Musik ist wunderbar gefühlvoll gesungen und fällt ganz sanft. Sie schafft Atmosphären, und das ist eine unschätzbar wertvolle Fähigkeit wirklich guter Musik. So ist „Sugar Rails“ ein Track für den lauen Sommerregen – für jetzt! „The Boy With His Hat“ oder „A Liar At Best“ klingen nach wiegender Fröhlichkeit, nach Hängematte oder nach Radfahren und einem Picknick mit Freunden. Und „Slowly Dying Star“ macht Gänsehaut. Gänsehaut, mit 19, denke ich, und alle Instrumente, Gitarren, Bass, Schlagzeug, Luftorgel, selbstgespielt, mit 19, und diese grandiosen Texte, Mensch, mit 19! Bis vor kurzem hat er all das noch bei seinen Eltern auf dem Dachboden aufgenommen. Aber dann kam ein schlaues Label. Und was kommt am 22. Juni? Eine ganze tolle Platte. Ich kann es kaum erwarten.

Weniger Gitarren und auch weniger Glücksmomente hat die Musik Anja Plaschg. Sie hat zudem noch weniger Lebensjahre hinter sich: Erst 16. Ich weiß nicht, ob man nur mit 16 so große Traurigkeit empfinden kann, wie der Zuender schreibt. Ich bin schließlich selbst erst so alt! Und das ist, was diese Musik für mich so aufregend macht. Anja Plaschg, die ihre Musik unter dem Namen Soap & Skin veröffentlicht, hat die Schule abgebrochen und studiert jetzt an der Akademie für bildende Künste in Wien. Alles an diesem Mädchen wirkt, als gehörte sie nicht in diese Welt. Ihr Gesicht sieht so jung aus und zugleich, als verberge sich eine furchtbar weise alte Frau dahinter. Sie spricht über den Tod und darüber, dass sie so viel von sich preisgibt, wenn sie musiziert, und dass sie deshalb nicht gerne in kleinen Clubs spielt, weil dann das Publikum so nah ist. Es klingt nach Sartre: Anna Plaschg ist dazu verurteilt, Musik zu machen. Besonders angetan hat es mir ihr Lied „Our Secret Fate (My Last Reqiuem)“. Vielleicht, weil es genau danach klingt.

Nachtrag: Der Höhepunkt aber ist die San Diegoer Band The Wrong Trousers. Zwei Jungs uns ein Mädchen im Alter zwischen 16 und 18, die mit Mandoline, Kontrabass und Harfe – nie habe ich eine verrücktere Kombination gehört, die noch dazu so gut klingt – nicht nur Regina Spektor oder den alten Buggles-Hit “Video Killed the Radio Star” covern, sondern auch noch herrlich beschwingte eigene Lieder komponieren. In Deutschland macht Spreeblick als erstes auf die Schülerband aufmerksam, die gerade richtig loslegt. Sie nimmt eine EP auf, die noch dieses Jahr erscheinen soll, und bekommt wahrscheinlich täglich neue Fans dazu. Kein Wunder bei dieser besonderen Musik und diesen verschwurbelten Leutchen, dem nerdigen Frontmann zum Beispiel, der auf den ersten Blick aussieht wie Michael Moore, und der immerzu Kleider tragenden Harfinisten Kelsea. Wie können diese so jungen Leute so neue, so wunderbare Musik machen? Ich will die CD! Jetzt sofort!!

Es ist ein Kreuz mit der Jugend, die diese Talente unweigerlich noch besonderer macht. Anna Plaschg sagt: „In einem Monat werde ich siebzehn. Das ist schon arg, denn ich muss mit dem Alter besser werden.“ Mich erinnert das daran, wie ich früher immer dachte: All die Begabten, die Berühmten, die Schauspieler, die Musiker, die Sportler, werden irgendwann in deinem Alter sein. Wie sich das wohl anfühlt. Dass das jetzt schon losgehen würde, damit hatte ich nicht gerechnet. Es ist ein merkwürdiges Gefühl.

Seit wir so groß sind ist eigentlich alles besser. Bis auf die Tatsache, dass sich nach der Weihnachtsfeier keiner mehr richtig verabschiedet. Aber vielleicht war das ja ein Einzelfall. Eigentlich ist alles besser, es wird wieder geredet, es wird sogar Musik gemacht. Wir werden laut ohne laut zu werden, geil, ich will das alles zurück, ich will das, was jetzt ist, aber so wie es früher war. Ich bin zu feige. Das ist wie früher die „Willst du mit mir gehen?“-Frage, da wusste man auch schon, eigentlich ist nichts dabei. Jetzt will ich mit dir gehen diesen einen, den weiteren Weg, ich wüsste niemand Besseres dafür, aber ich traue mich nicht zu fragen. Soll ich vertrauen, darauf, das alles schon wird. Wir irgendwann einfach springen? Ich traue mich nicht zu vertrauen. Trotzdem lasse ich es laufen und warte. Bis der Moment kommt, der richtige.

Ihre lieblich-süße Stimme ist sicher einer der Punkte, die die Musik dieser Band ausmachen. Ein weiterer mag der ewig nahe liegende Vergleich zu The Velvet Underground sein, aber wen juckt das schon? Schließlich bekommt “every generation the Velvet Underground it deserves”. Die schottischen Kritiker fühlen sich außerdem an Blondie und den frühen Jonathan Richman erinnert, oder auch an The Jesus and Mary Chain. Dunkel klingt diese Musik auf jeden Fall, auch, wenn sie durchaus den beschwingteren Takt kennt. Das allerdings ausgerechnet in Remember Dresden, einem Lied, welches an den zweiten Weltkrieg erinnern soll und an “all die kleinen Dresdens” jeden Tag. Hier hätten wir übrigens den zweiten Wink in Richtung Deutschland.
Weiterlesen über Saint Jude’s Infirmary – Happy Healthy Lucky Month

Beim Hören sollte man sich bewegen wie die Musik selbst, man sollte bewegt werden, in einem Zug oder Auto oder Flugzeug. Denn schon vor dem geistigen Auge ziehen Landschaften und Lichter vorbei, wenn der Opener The Light erklingt, er ist wie eine Reise in der Dunkelheit, sei es ganz früh morgens oder spät in der Nacht. Im Verlauf der Platte scheint manchmal geradezu die Sonne aufzugehen, irgendwo weit weg am Horizont. Jimmy LaValle muss mit sich im Reinen gewesen sein, als er das schuf, und gleichzeitig gewusst haben, dass alles weitergeht, gut weitergeht, ohne jedoch zu wissen, wo er am Schluss landet. Eine Reise nun mal, ins Glück vielleicht und auf alle Fälle durch viele kleine Glücksmomente. Er muss sehr zufrieden gewesen sein.
Weiterlesen über The Album Leaf – Into the Blue Again

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Das „Vorprogramm“ von PeterLicht kann man sich eigentlich sparen: Im Rahmen des Dortmunder LesArt Festivals las er am vergangenen Freitag nach Oliver Maria Schmitt. Letzterer kann lediglich mit einem guten Buchtitel aufwarten: „Anarchoschnitzel schrieen sie“ lautet der, aber schon der Untertitel holt wieder auf den Boden zurück. „Der Punkroman für die besseren Kreise“? Für schlafende Kreise vielleicht. Was Schmitt da liest – so furchtbar klischeehaft im 70er-Jahre-Tapeten-Hemd und mit dem Glas Rotwein immer griffbereit – ist langweilig und eigentlich schon längst wieder out. Das ist der späte Sprung auf das „Fleisch ist mein Gemüse“-Trittbrett, Geschichten über eine verlottert-punkige Dorfjugend, irgendwo zwischen unserer Generation und der unserer Eltern. Aber zum Glück entschädigt der Kölner Musiker („Sonnendeck“) und frische Buchautor PeterLicht danach für alles!

Groß angekündigt wurde er zuvor als Deutschlands „aussagekräftigster Welterklärer“, und das ist vielleicht etwas hoch gegriffen, wo man ihn doch noch immer ungestraft als Geheimtipp bezeichnen dürfte. Spätestens an diesem Abend hat er aber bewiesen, dass er das nicht mehr lange bleiben wird. Darf. Kann. Tatsächlich wird mit seinem Erscheinen auf der Bühne auch gleich das erste, vielleicht größte Rätsel des Abends gelöst. Denn PeterLicht ist – trotz Reim – der Mann ohne Gesicht. Auf den raren Pressefotos zeigte er sich bisher nur mit einem Haufen Kissen vor dem Gesicht oder dem Rücken zur Kamera. Während eines Auftritts in der Show seines bekennenden Fans Harald Schmidt wurde lediglich sein Körper, nicht aber sein Gesicht gefilmt. Und auch der eigenen Tour zu seiner zweiten Platte „Stratosphärenlieder“ blieb er fern. Die Besucher mussten Kartoffelmännchen basteln, während sie an ungewöhnlichen Orten den neuen Songs über Kopfhörer lauschten.

Gemeinsam mit einem Pianisten, einem Schlagzeuger (dessen Drumkit zu 80% aus Pappe und Sand besteht) und seiner Gitarre betritt PeterLicht dann aber tatsächlich die Bühne. Nette Leute. Neeeette Leute! PeterLicht sieht aus wie ein studierter Vater, der normalerweise nachmittags mit einer kleinen Tochter spielt. Und sich die Abende mit „seinen eigenen Tupperparties“ vertreibt. Wie sich herausstellt, ist dieser Mann sehr freundlich, auf eine zurückhaltende Art und lustig, und trotz des hohen Zauns um seine Intimsphäre irgendwie offen.

Das Trio beginnt mit dem „Lied vom Ende des Kapitalismus“, dem aktuellen Gassenhauer und Titeltrack des neuen Albums, und zieht damit gleich das Publikum in seinen Bann. Es folgen weitere neue Songs, ziemlich politische Lieder, wie man sie von PeterLicht gewohnt ist – aber ausnahmsweise mal auf eine tanzbare Art und Weise. Ob es nun um die „alte Tante Wohlfahrtsstaat“ geht oder um Amerika, wo „zwei Flugzeuge mal in zwei ziemlich hohe Häuser gerast sind“. Wunderschöne Melodien vereinen sich hier mit Texten, die mit der deutschen Sprache spielen, wie es lange keiner zustande brachte.

Deshalb hat PeterLicht gleich auch noch ein Buch veröffentlicht: „Wir werden siegen!“ ist eine Sammlung von Geschichten, Gedichten und anders gearteten Texten, die parallel zum Album entstand und jetzt im Blumenbar Verlag erschienen ist. Dieses Buch sprüht vor Charme, Ideen, versteckten Botschaften (Leseproben hier). Der größte Lacher sind wohl die ganz speziellen Berufsdefinitionen: „Schauspieler. Schauspieler sind keine Menschen. Sie tun nur so.“ Toll ist auch, wenn PeterLicht dann einfach eine Seite aus seinem Buch verteilt, kopiert, einen Liedtext, und das sitzende (gute Wahl!) Publikum kurzerhand zum Chor macht. Und während die Zettel herumgehen und „jeder sich bitte mal einliest“ hat dieser Mann plötzlich eine stilechte Sitar im Schoß! Das folgende Lied „Wir sind jung und machen uns eben Sorgen über unsere Chancen auf dem Arbeitsmarkt“ wird zu einem der Höhepunkte des Abends.

PeterLicht schafft es, sein Publikum zu betören auf die gleiche natürlich-naive Art, wie seine Texte sind, und genau wie dort hat er auch in seinem Treiben auf der Bühne bestimmt einen heimlichen Zauber versteckt. So eine PeterLicht-Konzert-Lesung, denkt man bei sich, ist derart romantisch, dass sie wohl perfekt für ein erstes Date wäre. Und so inspirierend, erhebend – gemütlich! Wer sein Publikum nicht nur zum Lachen und vielleich Weinen, sondern gar zum Kichern bringt, der muss wahrlich groß sein. Also, liebe lichterleser: Kauft lieber das Buch, „wir werden siegen!“, und nicht die Platte. Denn PeterLichts Musik sollte man am besten live erleben – einen so großen deutschen Welterklärer hat man lange nicht gehört.

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“You are so Rock and Roll!”

Wenn diese Band die Bühne betritt, ist der allererste Eindruck: “Mensch, sind die jung!” Und gleich darauf der zweite: „Mensch, ist die wild!“ Denn die Sängerin, Freundin, Fast-Schwägerin der Band, Charlotte, wirbelt über die Bühne in großen Sprüngen und zu schnell für meine Augen. Sie schmeißt ihre Haare durch die Luft und ihre Füße hinterher, und irgendwie schafft sie es zwischendurch, den größten Rock in ihren Bass zu hämmern – während ihr eigener ziemlich kurz ist.

Wenn sie da herstürmt, bekommt man kaum noch mit, dass der Schlagzeuger, Bruder, Fast-Schwager der Band, Josh, sich auszieht. Oder dass Gitarrist, Freund und Bruder der Band, Billy, eine andere, neuere, bessere Stimme hat und seine Instrumente gern mal blind nach hinten in die Arme seines Roadies wirft. Was den Raum beherrscht sind laute, raue Klänge, zu denen man unbedingt und hoch springen wollte, wären sie nur langsamer. So wird der Fuß nach einigem Wippen müde, Augen und Ohren aber bleiben hellwach und verfolgen, genießen, erfreuen sich.

Der schönste Moment ist der des Sängers, wenn er seine Freundin wenige Sekunden in den Schatten stellt und an der Spitze der Bühne eine Ekstase, eine Passion zu spüren scheint, die ihn dazu bestimmt, das ewig weiterzumachen. Im nächsten Moment springt er.

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Winson spielt. Mit seiner Wasserflasche, die ganze Zeit. Aufdrehen, trinken, zudrehen, auf dem Tisch drehen. Fingert an einem Stück Papier rum, klappert mit einem Stift. Und immer wieder diese Flasche. Der Psychologe sagt, das sei Spannungsabbau. Stimmt! Winson steckt voller Energie. Er lacht viel und springt plötzlich auf, um Luftgitarre zu spielen oder laut eine Liedzeile zu singen. Er ist verspielt, und wild.

So wild klingt auch die erste Singleauskoppelung seines neuen Albums. „45 mal/Minute“ ist eine von diesen Abrechnungen mit dem Musikbusiness, wie außerdem der Titeltrack „Frag die richtigen“. Denn Winson mag noch so sehr Spielkind sein – er weiß sehr wohl, auf welch glattem Eis er sich in seiner Branche bewegt. „Wenn man mit der Musikindustrie zu tun hat, muss man jeden Tag einmal jeden angucken und sich fragen, wer ist richtig, wer ist falsch. Aber ob man dann am Abend richtig steht, wenn das Licht angeht, ist die andere Frage.“ Für seine neue Platte hat Winson auf jeden Fall die richtigen Leute gefunden: Im Gegensatz zum ersten Album „So sah die Zukunft aus“ nahm er diesmal seine Liveband mit ins Studio, zusammen mit der Berliner Sängerin Barbara Cuesta. Mit ihnen entstanden auch erstmals Balladen wie „Anders“ oder das großartige „Liebesspielsalon“ über den trostlosen Alltag eines Ecstasydealers. Dass es immer noch dieser abgedrehte Typ aus Berlin ist, der da singt, mag manch einer nicht glauben wollen.

Winson hat sich verändert. „Die einzige Möglichkeit war zu sagen, ich lasse es zu oder ich lasse es nicht zu.“ Er ließ es zu und riskiert damit, dass alte Anhänger vom Winsonzug abspringen und es eine Single mal nicht in die Charts schafft. „Aber der Plan, den ich verfolge, ist eigentlich chartsfeindlich. Ich bin meist eher ein bisschen für mich, mit der Musik.“ Weiterhin gilt jedoch: Winson macht verrückte, neue Popmusik. Kommt ihm etwas bekannt vor, wird es abgeändert oder gleich rausgeschmissen. Und wann immer er kann, packt er kleine Informationen in seine Texte, versteckte Botschaften. Diese Möglichkeit war überhaupt ein Grund für ihn, statt auf englisch vorwiegend auf Deutsch zu texten. „Man macht diese Musik, hat gewisse Ideen, und wenn die Musik gut gemacht ist, dann können andere Leute da noch ganz andere Ideen drin finden und hören.“ Das gefällt Winson. So dreht sich die Kamera im aktuellen Video ständig um die Musiker, passend zur Textzeile „Ich dreh mich 45 mal pro Minute und ich will keine Single sein“.

Geschrieben, ohne Musik dazu zu machen, hat Winson trotz seines Liebäugelns mit der deutschen Sprache aber fast nie. „Ich habe mal versucht ein Drehbuch zu schreiben. Das könnte sogar noch fertig werden. Einem Freund von mir gefiel es und der macht das vielleicht weiter.“ Die allgemeine Deutschlandfrage umgeht er trotzdem gerne. Da ist nun mal doch noch das bisschen Kind im Winson, das nicht die Verantwortung übernehmen will und deshalb vielleicht bald nach Österreich zieht. „Ich zieh ein halbes Jahr nach Wien und nehme da Demos auf und nenne die nächste Platte ‘Wienson’! Ist doch eine Superidee! Oder?“

Winson macht Radio
Anfang des Jahres hat der Berliner Radiosender Motor FM sein Moderatorenteam auf vier Leute aufgestockt. Seitdem ist Winson mit dabei. Jeden Tag sitzt er von 14 bis 16 Uhr am Mikro – und dreht sich da gerne ein bisschen mehr Bass in die Stimme. „Wenn ich selber Radio höre, finde ich immer tiefe Stimmen so gut. Deshalb mache ich meine auch tiefer. Tiefer, Winson, das geht noch tiefer..!“ Motor FM ist in Berlin auf 100,6 MHz und in Stuttgart auf 97,2 MHz zu hören. Ansonsten im Netz: motorfm.de.

1. Alexi Murdoch – Orange Sky
2. Bitnan Spring – Invasion
3. Dios Malos – You Got Me All Wrong
4. Dorfdisko – Junge Dame
5. Emiliana Torrini – I Hope that I Don’t Fall in Love with You
6. Eskobar – She’s Not There
7. Frankie Goes To Hollywood – The Power of Love
8. Hansen Band – Kreisen
9. James Blunt – Goodbye My Lover
10. Jem – Maybe I’m Amazed
11. Jesus And Mary Chain – Just Like Honey
12. José González – Crosses
13. Nada Surf – If You Leave
14. Norah Jones – Come Away with Me
15. Scala – Hungriges Herz
16. The Church – Under the Milky Way
17. The Lost Patrol – The Way Things Are
18. The Mamas and the Papas – Dream a Little Dream of Me
19. The Reindeer Section – Cartwheels
20. Thomas D – Liebesbrief
21. Turin Brakes – Rain City

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Jeder Track von “Schmotime” erzählt Geschichten zu verschiedensten Themen, und selbst wenn ein Text melancholisch ausfällt, bleiben die Instrumente fast immer beschwingt, lustig, fröhlich. Das macht das Album zu einem außerordentlich gut geeigneten Sommer-Soundtrack, obschon es zwischendurch abdriftet und beliebiger, allgemeiner wird. Denn bei einem sonnigen Picknick will man schließlich nicht knappe vierzig Minuten lang bloß zuhören, sondern lieber mitten in der Unterhaltung aufspringen und lostanzen müssen, weil gerade diese Melodie jetzt im Moment so unglaublich rockt. Gründe dafür gibt es überall: Mal sind es die Gitarren, die besonders auffallen, im nächsten Moment tun sich die Tasten hervor, zum Beispiel durch die Orgelklänge im Opener More Troubles. Es finden sich Ohrwürmer wie Weasel, ein Countryexperiment (Truth is Stranger than Fishin’) und die obligatorische Ballade am Schluss (Treacle). Und natürlich gibt es auch herrliche Bläserarrangements. (…)

Der ganze Artikel bei *lichter

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Hatte ich nicht schon mal ein Lied vom Unpluggedalbum in der Randomaktion? Hatte ich nicht schon mal gesagt, wie wunderbar die Idee für dieses Konzert war, wie grandios es selbst im Fernsehen herüberkam und wie toll es auf der Platte abgemischt ist? So, als spielten sie nur einen Meter vor einem. Aber so breit. Und wusstet ihr, dass das Konzert sechs Stunden gedauert hat? Sie haben wohl ihr halbes Repertoire gespielt. Die Ärzte. Ich erinnere mich an wilde Zeiten.

3. Pinback – Fortress
Eingängiges, typisches Fernsehserienlied. „Die Kamera begleitet ihren jugendlichen Protagonisten eine bestimmte Strecke lang, ohne sonstige Geräusche. Vielleicht knallt er zwischendurch noch mit irgendwem zusammen, geht aber weiter, oder muss etwas umrunden.“ Ihr wisst schon. Aber streicht das jugendlich, mir kommt, wenn ich das durchlese, nur Hugh Grant in „Notting Hill“ in den Sinn, auf dem Weg zu seiner blauen Tür. Tzz. Verwendet wurde Fortress nämlich in O.C. California, glaube ich.

4. Emiliana Torrini – Heartstopper
Ganz wunderbares Lied, die Dame gefunden bei Kathi. Deshalb muss ich mir wohl auch immer das von ihr so gerühmte Café Chaos vorstellen, wenn ich es höre. Dieses Lied ist für mich braun und gold und ocker und beige und komisch terrakottafarben. (Noch toller ist aber „I Hope That I Don’t Fall in Love with You“.)

5. Dean Martin – Volare
Hach. Wir bleiben gleich bei der Kaffeehausatmosphäre. (Kaffeehaus ist ein tolles Wort.) Bei Dean Martin muss man an die alten, schlecht synchronisierten Filme denken, mit Frauen in schwingenden Röcken, die immer an irgendwelchen Seen spielten und in denen oft irgendjemand auf Autodächern tanzte. Singt Mr. Martin die italienischen Teile, kommt noch dazu die wunderbare Stadt Bozen in den Sinn. Hier sind zwischendurch immer diese Feen-Töne drin, wer nicht weiß, was ich meine, vergleicht mit „Singing in The Rain“. Übrigens: Volare heißt Fliegen.

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Ihr findet es hier (für Windows Media-Menschen) und hier (für Real Player-Menschen) zum Herunterladen.

1. Pernice Brothers – Clear Spot
Oh, schönes Nebenbeistück aus dem wirklich nicht zu verachtenden Soundtrack zu Gilmore Girls. Nebenbei, weil es nicht sonderlich herausragt. Hintergrunddingens. Wir lassen es langsam angehen heute. Aber Gilmore Girls, juhu, bald kommen sie wieder. Ich muss wohl noch mal ausführlicher dazu schreiben, nur so viel: Schon jetzt freudige Erwartung auf die dienstäglichen Radfahrten durch die eisige Kälte des Winters, hoch zu Steffi, um mit ihr gleich zwei Folgen zu schauen. Und dazu Minifrühlingsrollen zu essen. „Roryroryrory…“

2. Juliette & the Licks – Comin’ around
Oooohoho. Aufwachen! Hi Juliette. Auch aus einem Soundtrack, wenn ich mich recht erinnere. O.C. California. Dazu taugen diese Ami-Sendungen nämlich – die Musik ist meist super. O.C. bekommt weitere Pluspunkte dafür, dass in jeder zweiten Folge ganz tolle Bands wie die Thrills oder die Killers oder die Walkmen recht ausführliche Gastauftritte haben. Comin’ around ist Rock, purer, mit ganz typischem Ende.

3. Annett Louisan – Das Liebeslied
Ja, immer noch habe ich einige Tracks von Fräulein Louisan gespeicher. Und bitte jetzt keine Diskussionen mehr hier, ich weiß, le hochgeschätzte Leserschaft mag sie nicht sonderlich. Aber das Liebeslied ist toll, vor allem zum selbst singen und spielen. „Scheiße, bin ich verliebt.“ (Sie hängt sich eigentlich auch viel zu wenig in den Refrain rein. Das ginge so toll sehnsüchtig mit dem A-Dur da. Mensch.)

4. Virginia Jetzt! – Weihnachten in Berlin
Ohhh, ganz tolles Ding, scheint ungefähr so aufgenommen wie der Bahnhofkultcast neulich, nach dem Motto, komm, wir setzen uns mal mit einer Rassel und einer Gitarre um den mp3-Player herum und nehmen ein Weihnachtslied auf, das man eigentlich das ganze Jahr über hören kann. Ist gut gelungen, und der Text kommt nur so auch richtig zur Geltung.

5. PJ Harvey – One line
Winamp hat’s wohl heute mit den Gilmore Girls. Tolles Lied, allerdings nicht für jede Stimmung. Es war das Lied zu Silvester 2004/05. Und der Text ist der Beste der ganzen Randomaktion heute, also ein gebührender Abschluss.

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Uh, das fängt ja gut an. Ausgerechnet eins von den Liedern, die ich nicht so gut kenne. Das fängt ja gut an. BossHoss werden ja so ziemlich alles von großer Genialität bis hin zum ausschließlichen Konsum vorgeworfen. Mir eigentlich egal, was es ist. Aber ab und zu muss es auch mal Countrymusik sein. Und diese hier ist nicht nur sehr tanzbar, sondern hat dank der gecoverten Songs auch noch den positiven Mitsing-Nebeneffekt. (Obwohl, den Text von Sabotage kenn ich jetzt nicht. Trotzdem: Hej, BossHoss. Ihr seid eingeladen auf meine Party.)

2. Babyshambles – He will fall
Es geht sehr gut weiter mit meinem Lieblingslied von Babyshambelsalbum acousticalullaby. DER Ohrwurmtrack, weil der Refrain so wunderbar ist. Nur leider so kurz, dass jetzt, nach dem abrupten Ende schon das nächste kommt.

3. Joy Denalane – Bantwana Skit
Hej, das ist fies! Das ist nur ein Skit! Eines von den wunderbaren Kurzhörspielen, den OhTönen, die Joy Denalanes tolles Album Mamani enthält. Leider alle viel zu kurz um jetzt ausgiebig davon zu schwärmen und hopps-

4. The Beatles – All my loving
Oha. Roman, siehst du. Schon wieder! Das ist mein Einsatz. Roman hat nämlich heute Geburtstag. ACHTZEHN. Geht hin und huldigt ihn, er hat es nun wirklich verdient. Eines der wenigen Lieder, dass selbst die Akustiklagerfeuerband neulich nicht untanzbar spielen konnte, sodass wir ganz wunderbar springen konnten. So, komm jetzt, Finale. Los. Los!

5. Kaiser Chiefs – Oh my god
Yeah! Das Lieblingslied vom Kaiser Chiefs-Album Employment. Auch ein absoluter Ohrwurm, wahrscheinlich werde ich das jetzt mindestens eine stundelang vor mich hinsummen. Auch ein absolutes Golfplatzlied. Beim Training ist es immer im Kopf. Man kann gut all seine Energie sammeln und raushauen zu so einem Kracher. Winamp, das hast du ziemlich gut gemacht, fürs erste Mal. Sehr schön. Können wir ruhig öfter machen. „Oh my god I can’t believe it, I’ve never been this far away from home!“

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Nimm dir davon eine extra Portion!
Abgemacht – sowas geht in so ‘ner Sommernacht”

Ich kam, als Die Sterne gerade gingen. Über dem Amphitheater hingen drohend die Regenwolken, auf den Balken, die im Zelt hingen, saßen pfeifend die Vögel. Tanzende Menschen, betrunkene Menschen, einsame Menschen, zweisame Menschen standen rum und hinter der Bühne fuhren Schiffe.

Dann spielten Nada Surf und ich fand Frauke. Ja, genau die Frauke. Mit den schönen Schuhen, dem netten Papa und der gleichen Haarfarbe. Ein ganz kleines Bloggertreffen mit Live-Musik wurde das, und das war sehr schön. Nicht lange, und wir waren halb taub, denn der Sicherheitsabstand zu den Boxen sollte vielleicht doch ein wenig mehr als nur einen halben Meter betragen. Nicht zuletzt deshalb begaben wir uns nach Abschluss des Nada Surf-Sets durch den Bassisten, der zu meinem großen Entsetzen sein Instrument einfach auf den Verstärker schmiss, „mitten ins Geschehen“. Auf die so genannte Peter-Seite.

Schade eigentlich, so habe ich Herrn Rüde von den Herren Sportfreunden kein einziges Mal in Strümpfen zu Gesicht bekommen können. Und doch hatten wir wohl genau den richtigen Platz erwischt. In der zweiten Reihe traf man auf nette Menschen wie Luisa und Christiane, die genau aussieht wie die österreichische MTV-Moderatorin, und auf ein paar Dortmunder Jungs, die nach chinesischem Essen rochen. Wir hüpften und sangen, Hände in der Luft, schubsten und hoben – Frauke. Hoch. Über alle Hände. Und es ging viel zu schnell.

Wir genossen außergewöhnliche Schlagzeugsoli, sympathische Anmoderationen und eine toll ausgewählte Coverversion von Udo Jürgens’ New York-Lied. Könnte man Energie aus reinen Endorphinen gewinnen, wir hätten wohl ganz Gelsenkirchen mit Strom versorgen können. Mittendrin wurde es spät und dunkel und meine Eltern kamen das Kind einzusammeln. Mit warmen Socken im plötzlich ungewöhnlich ruhigen Auto. Und so ging ich, als die Sterne gerade kamen.

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Achja, und möglicherweise kommt dann auch irgendwann eine neue Band.

1. Jack Radics – No matter
2. Presidents of the USA – Video killed the radio star
3. Ray Charles – Hit the road Jack
4. Chemical Brothers – Galvanize
5. Status Quo – Whatever you want
6. Patsy Cline – Happy birthday, baby
7. Tenacious D – I’m the only gay eskimo
8. Aqualung – Brighter than sunshine
9. Moneybrother – It’s been hurting all the time with you Joanna
10. My Robot Friend – Why won’t you call me back?
11. Hot Hot Heat – Goodnight goodnight
12. Tegan and Sara – Walking with a ghost
13. Farin Urlaub – Sumisu
14. Belle and Sebastian – A summer wasting
15. Norah Jones – Come away with me
16. Baden Powell – Valsa sem nome
17. The Church – Under the Milky Way
18. Lampshade – Because trees can fly
19. Radiohead – Creep
20. The Frames – Finally
21. Alice in chains – Got me wrong
22. Mando Diao – Ringing Bells
23. Fiddler’s Green – Stay by my side

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