Ach, was für ein herrlicher Film! Nicht nur der beste Wes Anderson-Film bisher, sondern womöglich auch der beste Trickfilm, den ich je gesehen habe – und das liegt nicht nur an der ungewöhnlichen Retro-Optik. Nein, diese Geschichte ist einfach so wunderbar verschroben (gestohlene Schwänze, Emo-Füchse, Schmetterkrachen…), voller gut getarnter Extragags und diesem Peanuts-artigen Humor, den ich so mag.

Dazu kommen noch die Anderson’sche Detailverliebtheit und seine übliche Entourage: Neben Bill Murray, Jason Schwartzman und Owen Wilson (die man allesamt schon aus Vorgängerfilmen wie „The Darjeeling Limited‟ kennt) sind dieses Mal auch George Clooney und Meryl Streep als Sprecher mit von der Partie. „Fantastic Mr. Fox‟ ist ein zeitloser Film, der gleichermaßen für Kinder und Erwachsene geeignet ist – und ich will unbedingt mehr davon. Oder, um es mit den Worten der Hauptfigur zu sagen: „DER PURE WILDE ANIMALISCHE WAHNSINN!‟

Easy Virtue

John (Ben Barnes), Sohn einer alterwürdigen englischen Adelsfamilie, bringt aus dem Urlaub eine Überraschung mit: Er hat sich mit der freimütigen amerikanischen Rennfahrerin Larita (Jessica Biehl) verheiratet. Während seinen Vater (Colin Firth) das nicht weiter juckt, sind Mutter (Kristin Scott-Thomas) und Schwestern empört und machen dem neuen Familienmitglied das Leben schwer. Doch die lässt die Sticheleien nicht auf sich sitzen…

„Easy Virtue‟ hatte bei mir einen Vertrauensvorschuss, dank Colin Firth und des Settings im England der 20er Jahre. Leider war der auch nötig, denn der Film ist zwar amüsant, hat allerdings auch seine Macken. Er ist verspielt gefilmt – aber eben manchmal zu verspielt, mit allzu vielen Spiegel- und grafischen Effekten. Und dann wird immer wieder gesungen – aber es ist dann doch zu wenig, um den Film zu einem Musical zu machen. Letztendlich würde ich „Easy Virtue‟ nicht auf einen DVD-Abend mit Freunden mitnehmen, aber für sonntags zum Kuchen finde ich ihn super.

Eclipse – Biss zum Abendrot

Also vorweg: Wir hatten Freikarten. Sonst hätte ich diesen Film sicher nicht im Kino gesehen. Aber mit lauter kreischenden Mädchen im Saal zu sitzen, ist auch mal ein nettes Erlebnis. Ich kenne die ersten beiden Teile und habe nach jedem gedacht: Hach, wenn dieses ganze Vampirzeugs nicht wäre, wären die richtig gut!

Leider gilt das nicht für Teil Drei. Der hat nämlich zu viele Längen, zu viel Gelaber und vor allem: zu viele Floskeln. Ein paar davon sind ja ganz lustig („Ich bin eben heißer als du!‟ – „Kann er sich kein T-Shirt leisten?‟), aber „Twilight‟ war doch nicht als Komödie gedacht, oder? Falls doch, haben die Produzenten vor allem bei der Besetzung des Bella-Vaters (Billy Burke) etwas richtig gemacht. Und dass Kämpfe mit Indiemusik anstatt mit theatralischen Orchesterklängen unterlegt werden, finde ich auch ganz gut. Ansonsten besteht hier wohl das gleiche Problem wie bei so vielen anderen Mehrteilern: In der Mitte hängen sie durch. So oder so – ich bin Team Jacob!

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„Nie die Katze heraus lassen. Nie die Concierge hineinlassen.‟

„Die Eleganz des Igels‟ ist ein wunderbares Buch von der französischen Autorin Muriel Barbery, das 2007 in Frankreich erschien und kurz drauf auch bei uns zum Bestseller wurde. Und wie das so ist mit international erfolgreichen französischen Büchern: Eine Verfilmung lässt nicht lange auf sich warten. Im Kino ist es also statt des Igels „Die Eleganz der Madame Michel‟.

René Michel arbeitet als Concierge in einem schicken Pariser Wohnhaus und entspricht – nach eigenen Worten – voll und ganz dem Klischee: „Ich bin Witwe, ziemlich klein, hässlich und mollig.‟ Tatsächlich verbirgt sich hinter dieser Fassade aber noch eine ganze andere, elegante und belesene Madame Michel.

Das entdeckt zu allererst Paloma, eine junge Bewohnerin des Hauses, die das Leben der Reichen schon mit elf Jahren satt hat und deshalb beschließt, sich an ihrem nächsten Geburtstag umzubringen. Bis dahin bleibt allerdings noch ein bisschen Zeit, die sie sich mit einem persönlichen Videotagebuch vertreibt. Sie dokumentiert die Depression ihrer Mutter, die Zickereien ihrer Schwester und den Einzug des neuen Hausbewohners, Monsieur Ozu. Der Japaner spürt ebenfalls, dass Madame Michel mehr ist als bloß die „verwilderte‟ Concierge und stellt ihr Leben mit einer Einladung zum Essen auf den Kopf.

Schon bei der Buchvorlage habe ich bedauert, dass Monsieur Ozu im Gegensatz zu Paloma und Madame Michel eine eindimensionale Figur bleibt. Im Film wird diese Nebenrolle, die eigentlich eine Hauptrolle sein sollte, von Togo Igawa allerdings hervorragend ausgefüllt. Genauso gut hat mir Garance Le Guillermic gefallen, die als Paloma aussieht wie eine Zeichnung von Cornelia Funke: schlaksig, mit riesigen Wuschelhaaren, Brille und immerzu in Ringelpullis.

Der Film braucht einen ziemlich langen Anlauf, ehe er seine typisch französische Poesie entfaltet. Darin erinnert „Die Eleganz der Madame Michel‟ übrigens sehr an eine andere Bestseller-Verfilmung – „Zusammen ist man weniger allein‟. Genau wie damals gilt auch hier wieder: Der Film ist zwar ganz nett, aber das Buch ist um Längen besser. Lesen! (Zum Beispiel im Rahmen des virtuellen Lesezirkels von Marcel…)

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„Mit Angst hab ichs nicht so.‟

Also ich will ja jetzt Surfen lernen. Aber das will ich eigentlich immer, wenn ich gerade einen Surf-Film gesehen habe, sei es „Blue Crush‟ (Mädchenfilm), „Dogtown Boys‟ (Jungsfilm) oder auch bloß „Surfer Girls‟ (Disneyfilm).

Bei „Keep Surfing‟ ist das allerdings noch etwas anderes, denn das ist zum ersten Mal eine Dokumentation und die zeigt, dass man zum Surfen längst nicht an irgendeiner wellenumspülten Küste wohnen muss. Der Film erzählt Geschichten rund um den Münchner Eisbach, in dem es eine magische stehende Welle gibt, auf der seit Jahrzehnten gesurft wird. Und fast genauso lange hat der Regisseur Björn Richie Lob das gefilmt.

Dieses Thema ins Kino zu bekommen, stelle ich mir nicht leicht vor. Zum Einen, weil es ein absolutes Nischenthema ist, und zum anderen, weil sich dort das übliche Sportfilmproblem einstellt: dass ein und der selbe Sport für den Laien auf Dauer (96 Minuten) langweilig anzuschauen ist. Doch diese Herausforderung meistert „Keep Surfing‟ mit Bravour. Die Bilder sind wunderbar scharf und nah und abwechslungsreich. Es gibt atemberaubende Zeitlupen, in denen jeder Wassertropfen auf der Leinwand glitzert, ästhetische Draufsichten und nostalgische Super 8-Aufnahmen. Das wirkt, kombiniert mit einem ausgefeilten Sounddesign, wie die von den Surfern so gefürchteten Strudel, wie ein „Tornado unter Wasser‟: Ratzfatz saugt der Film einen auf und lässt bis zum Schluss nicht mehr los.

Es geht um dieses ganz bestimmte Lebensgefühl, um persönliche Schicksale, um Abenteuer – und dabei immer, immer um die Suche nach der perfekten Welle. Das führt zu so spektakulären Aufnahmen wie denen vom Jahrhunderthochwasser 2005, als die Surfer von den Münchner Brücken in die offene Isar sprangen, nur für ein paar Minuten Nervenkitzel – bis die Polizei sie wieder raus holte.

„Keep Surfing‟ ist ein Film von Surfern für Surfer. Als Insider konnte Lob ganz nah an seine Protagonisten herankommen und neben surfenden Kameramännern, Informatikern und Ärzten auch Meister des Wassersports aus der ganzen Welt gewinnen, die nur der einen Welle wegen zum berühmten Eisbach reisen. Dieser Insider-Blick hat den Nachteil, dass die Dramaturgie ein wenig durcheinander gerät. So erfährt der unwissende Zuschauer erst recht spät, dass die geheimnisvolle Eisbachwelle bloß dank einer nicht ganz legalen Konstruktion ganzjährig steht (und auch ganzjährig genutzt wird, wie zum Ende hin gezeigt wird).

Aber das tut der Stimmung keinen Abbruch, dieser ganz besonderen Surferstimmung. Entspannt und mit einem fröhlichen Grinsen verlässt man deshalb das Kino und schielt aus den Augenwinkeln schon auf den nächsten Fluss, auf der Suche nach der perfekten Welle.

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„I guess I’ve always been good with words.‟

„„Chloe‟ kommt wie ein billiges Klischee daher.‟ intro

„Trotzdem geht bei [Atom Egoyan] der Erotik-Thriller aus denselben Gründen an sich selbst zu Grunde wie bei jedem dahergelaufenen Stümper auch.‟ Frankfurter Rundschau

„Dass die wahre Beschaffenheit dieses unglückseligen „Dreiers‟ für den aufmerksamen Zuhörer viel zu früh enthüllt wird, führt leider früh zu Ernüchterung.‟ film-dienst

„Vergessen wir das schrecklich banale, auch noch das letzte Geheimnis auflösende und dem Regisseur unwürdige Ende, das klar macht, dass der Meister hier doch nicht ganz auf eigene Rechnung gearbeitet hat.‟ Berliner Zeitung

„Leider setzt auch Atom Egoyan, von „Exotica“ bis „Felicia’s Journey“ ein Star-Autorenfilmer der 90er Jahre, immer mehr aufs Bordkino.‟ Tagesspiegel

„Diesmal aber knallt [Egoyan] sein Blatt auf den Tisch, als wollte er sich den Weg in den Mainstream notfalls mit nackter Gewalt bahnen.‟ FAZ

„Verführerisch inszeniert, aber letztlich abstrus.‟ Die Welt

Also ich finde „Chloe‟ ja gut. Der Film ist ein bisschen wie „Elegy‟, ein bisschen wie „Wahnsinnig verliebt‟ mit Audrey Tatou und in seinem Purismus sogar – und ich hätte nie gedacht, dass ich das so schnell sagen würde – ein winzig kleines bisschen wie „A Single Man‟. Aber das könnte auch schlicht an Julianne Moore liegen, von der ich seit diesen beiden Rollen ein völlig anderes Bild habe. Von Amanda Seyfried übrigens auch! Die spielt jetzt die manische Lolita – ein Part, der vor fünf Jahren noch Scarlett Johansson sicher gewesen wäre.

So viel ganz spontan dazu. Was meint ihr?

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“If the minority is somehow invisible, the fear is just greater.”

Das Besondere an Tom Fords „A Single Man‟ ist, dass dieser Film wahre Kunst ist, und wahre Kunst ist selten geworden im Kino. Und auch wenn Kunst nicht immer schön anzusehen sein muss – diese ist es. Die Musik ist schön, die Settings sind schön, die Kostüme sind schön, die Darsteller sind wunderschön, die Bilder sind kaum zu beschreiben.

Tatsächlich könnte man „A Single Man‟ in jeder einzelnen Sekunde anhalten, das Standbild auf eine Leinwand ziehen und direkt als Tom-Ford-Anzeigenmotiv verwenden. Der war schließlich schon Chefdesigner bei Gucci und YSL, ehe er 2003 sein eigenes Label gründete. Keine Frage also, dass Colin Firth in der bisher außergewöhnlichsten Rolle seiner Karriere ausschließlich Ford-Anzüge trägt. Viel spannender ist aber, was der Regisseur außerdem aus seinem Hauptdarsteller gemacht hat. Denn Firth war nach Filmen wie „Stolz und Vorurteil‟, „Ernst sein ist alles‟ oder auch „Bridget Jones‟ in erster Linie auf den steifen Briten abonniert, der seine tadellosen Manieren und Moralvorstellungen kaum auch nur für einen Moment vernachlässigt.

Jetzt sehen wir ihn auf einmal trinkend und rauchend und mit einer unbeachtet in die Stirn fallenden Schmalzlocke, wie er am Tod seines langjährigen Lebensgefährten zu Grunde geht. Ford blickt hinter die Fassade von Colin alias George, den nichts mehr im Leben hält – nicht sein Beruf als Professor, der längst nur noch Routine ist, nicht die Studenten, die ihn verehren, nicht die alte Freundin (eine wunderbar fatale Julianne Moore!), die ihn liebt.

Und das alles in dieser nie zuvor gesehenen, unheimlich dichten Ästhetik, die den filmischen Stil der 60er Jahre hervorragend imitiert und durch besondere Perspektiven und eine mutige Lichtgestaltung ergänzt. So sieht der Zuschauer manches von oben, was jeder andere Kameramann frontal oder seitlich gefilmt hätte, und durchlebt gemeinsam mit dem Protagonisten den fortwährenden Wechsel zwischen – buchstäblich – grauen und goldenen Zeiten.

Die hervorragende Musik trägt dazu bei, dass man diesen Film wohl auch ganz ohne Worte verstehen könnte. Die vergleichsweise wenigen, die da gesprochen werden, sind allerdings so präzise formuliert, dass man sie auf keinen Fall missen will.

Ach, sowieso: Den ganzen Film will man nicht mehr missen, wenn man ihn einmal gesehen hat. Man erwischt sich dann kurz bei dem dummen Gedanken, dass alle Filme so sein sollten wie dieser, um sich im nächsten Moment zu wünschen, dass es bloß nie einer schaffen möge. Deswegen habe ich auch ein bisschen Angst davor, was passiert, wenn Tom Ford nach diesem Riesenerfolg statt neuer Anzüge einen weiteren Film macht.

Solange warte ich darauf, dass endlich die DVD erscheint, und hänge sie mir dann vielleicht in einem Rahmen an die Wand. Wie es sich für wahre Kunst eben gehört.

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“Vermutlich bin ich für Sie eine gefallene Frau.” – “Du bist keine Frau.”

Seit Tagen läuft bei mir nichts anderes mehr als der wunderbare Soundtrack zu “An Education”. Er holt die schönen Pastellfarben, den funkelnden Schmuck, all den Glamour zurück, nach dem die Hauptdarstellerin sich im Film so sehnt – und den sie für kurze Zeit auch bekommt.

Es ist Anfang der 60er Jahre. Die 16jährige Jenny (Carey Mulligan) und ihre Eltern leben einzig und allein für das Ziel, dass sie eines Tages ein Studium in Oxford beginnen kann. Jenny spielt Cello, nur um im Bewerbungsgespräch ein Hobby angeben zu können, muss immer pünktlich um zehn ins Bett und bekommt zum Geburtstag – autsch – ein neues Lateinwörterbuch. Wenn sie der strengen Aufsicht ihres Vaters einmal entrinnen kann, raucht sie filterlose Zigaretten und hört französische Musik. Frankreich, das ist ihr großer Traum, er steht für Freiheit, Genuss, Lebensfreude und ist doch viel zu weit weg von den nass-grauen Londoner Vororten. Bis David auftaucht.

Der charmante Mann mit dem schicken Auto (Peter Sarsgaard) ist locker doppelt so alt wie sie, aber er interessiert sich für Kunst, für Musik, für Frankreich! Um Jenny ist es geschehen. Und zu ihrer Überraschung (und der des Publikums) auch um ihre Eltern: Mit seinen übertriebenen Komplimenten (“Du hast mir nicht gesagt, dass du eine Schwester hast, Jenny!”) und wüsten Geschichten überredet er sie immer wieder, Jenny “entführen” zu dürfen – in verruchte Bars, auf eine Hunderennbahn und schließlich nach Paris. Es ist die glitzernde Welt ihrer Träume, und erst spät erkennt Jenny, dass in dieser Welt nicht alles so ist, wie es scheint.

Das Drehbuch zu “An Education” hat “High Fidelity”-Autor Nick Hornby verfasst. Es basiert auf einem autobiografischen Artikel der Journalistin Lynn Barber. Das ist wohl auch der Grund dafür, dass das Ende des Films eher seicht ausfällt. Als Zuschauer fragt man sich da wieder einmal, wie Filmemacher mit real-life-Vorlagen umgehen sollten: Ist es besser, wenn sie nah an der Vorlage bleiben und damit ein allzu erwartbares Ende in Kauf nehmen, oder sollten sie, ganz Quentin-Tarantino-mäßig, ruhig mal die Geschichte verdrehen und sie schön dramatisch machen?

Das ist auch schon alles, was ich an diesem Film kritisieren kann, und längst kein Hindernis, ihn mir bald noch ein zweites und drittes Mal anzuschauen. Die Musik, die Ausstattung und erst recht die Schauspieler sind einfach zu gut! Alfred Molina als strenger, ur-moralischer Vater hat hier eine ganz ähnliche Rolle wie in “Chocolat”. Und dass man die grandiose Rosamund Pike nicht öfter sieht, kann nur an ihrer makellosen Schönheit liegen, mit der sie bereits Keira Knightley in “Stolz und Vorurteil” zumindest streckenweise die Show stahl.

Dann ist da natürlich Carey Mulligan, die absolut zurecht schon jede Menge Preise für ihre Hauptrolle bekommen hat. Und auch, wenn sie den Oscar dieses Jahr vielleicht noch an Gabourey Sidibe (“Precious”) abtreten muss, ist es wohl nur eine Frage der Zeit, bis sie selbst einen bekommt. Schade bloß, dass Peter Sarsgaard bei all dem Rummel um die junge Kollegin in den Schatten gerät – etwas, das ihm irgendwie ständig passiert, obwohl er ein so guter Schauspieler ist.

Jedenfalls: Wer Lust hat auf eine Mischung aus “Mona Lisas Lächeln” und dem “Miss Dior Cherie”-Spot von Sofia Coppola, sollte diesen Film nicht verpassen.

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“Many people said that you’re an Ice Woman.” – “Well this week is pretty cold, that’s all I can say.”

“The September Issue” wollte ich schon lange sehen, aber irgendwie war immer etwas dazwischen gekommen. Jetzt ergab sich ausgerechnet auf der Berlin Fashion Week endlich die Möglichkeit. Eine kleine Bar in Berlin Mitte zeigte vier Tage lang Modefilme von “Frühstück bei Tiffany” über “Brüno” bis hin zu “Der Teufel trägt Prada”. Letzterer war die Steilvorlage für die Dokumentation von R.J. Cutler. Schließlich wollte nach dem Erfolg des Spielfilms alle Welt wissen, ob Anna Wintour wirklich so kalt und biestig ist, wie Meryl Streep sie darstellt.

Tatsächlich ist “The September Issue”, der die “Vogue”-Chefin bei der Produktion der dicksten und wichtigsten Ausgabe des Jahres 2007 begleitet, auch ganz ähnlich aufgebaut wie der “Teufel”. Am Anfang wird zunächst klargestellt, wie mächtig diese Frau ist. Wer glaubt, innerhalb einer Moderedaktion herrsche Anarchie oder zumindest eine kreativ-chaotische Demokratie, der irrt. Die “Vogue” wird absolutistisch regiert, von einer Frau, der alle hörig sind: Ihre Redakteure ducken sich und nicken nur, den Designern sagt sie, welche Stoffe sie verwenden sollen, und den Händlern schreibt sie die Einkaufszettel. “Can we say that Anna is the high priest of all of us?”, fragt der Regisseur einmal eine Redakteurin und bekommt zur Antwort: “I would say pope.”

Nachdem die Machtverhältnisse ein für alle Mal geklärt sind, zeigt der Film, wie es den Untertanen damit geht. Als Musterbeispiel muss Grace Coddington herhalten, die Art Directorin, die sich eigentlich nie hatte filmen lassen wollen. Was für eine Überraschung, dass ausgerechnet diese schrullige Frau, die mit ihrer roten Mähne und dem humpelnden Gang an eine Hexe erinnert, einmal als Model bei der “Vogue” angefangen hat! Nun wird sie einhellig als kreatives Genie beschrieben – und von der Chefin doch immer wieder gepiesakt und überstimmt. Trotzdem ist sie die einzige, die sich auch mal traut zu widersprechen. (Dumm nur, dass die Wintour niemals auf einen Widerspruch eingeht.)

Gerade, als der Zuschauer sich endgültig auf Graces Seite schlagen will, zeigt Anna Wintour doch noch Schwäche, ganz wie in “Der Teufel trägt Prada”. Es ist ein ungewohnt wackliger Moment. Wintour erzählt von ihren Geschwistern, die allesamt so ehrenwerten Berufen nachgehen. Sie berichten über Politik, suchen Wohnungen für Arme oder helfen Bauern in Südamerika. Über das, was Anna mache, seien sie, nun ja, “amused”. Und dann ist da auch noch ihre Tochter Bree, die lieber Anwältin werden will als Redakteurin und die Branche sowieso ziemlich merkwürdig findet. Dass Anna Wintour ihren Beruf ausgerechnet im engsten, privatesten Kreis verteidigen muss, das überrascht.

Was dem Film leider fehlt, sind tiefere Einblicke in den Arbeitsalltag der “Vogue”-Redaktion. Dafür war angesichts der beiden Hauptdarstellerinnen wohl einfach kein Platz mehr. Der Zuschauer bekommt ein ziemlich ausführliches Psychogramm von Anna Wintour und kann sich doch keine rechte Meinung bilden. Das allein ist eigentlich schon ein Kunststück.

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“I’m still anxiously awaiting the opportunity to see ‘Where the Wild Things Are’ – because I believe Spike has created something endearing, and potentially edgy, and I want to see what he has been able to do with such a beloved children’s story.” Das schrieb Alex Billington im November 2008 in dem amerikanischen Kinoblog firstshowing.net. Wann der Film, von dem er da sprach, erscheinen sollte, stand damals noch nicht mal fest. Tatsächlich dauerte es noch fast ein Jahr.

Trotzdem war der Hype um „Where the Wild Things Are“ schon damals riesig. Immerhin ging es um eines der beliebtesten Kinderbücher der Welt, das seit jeher großen Tumult verursacht hat. Die Geschichte von Maurice Sendak handelt vom kleinen Max, der von seiner Mutter ausgeschimpft wird und sich daraufhin in eine Fantasiewelt flüchtet. Dort wohnen die wilden Kerle, sieben große, fürchterliche Monster. Max schafft es, die Kerle zu zähmen und ihr König zu werden.

Als das Buch 1963 erschien, wurde es stark kritisiert: Die Bilder seien zu gruselig, die Geschichte zu schwach und überhaupt viel zu wirr. Dennoch bekam der Autor viele Preise, und die außerordentlich guten Verkaufszahlen sprachen für sich.

Die Aufregung war groß, als 2006 ausgerechnet der Indie-Regiesseur Spike Jonze („Being John Malkovich“, „Adaption“) mit den Dreharbeiten begann. Wie sollte es ein Buch, das gerade mal zehn Sätze und 40 Seiten lang war, auf Spielfilmlänge bringen? Wie wollte Jonze die fremde Welt der wilden Kerle gestalten, wie sollten sie überhaupt zum Leben erweckt werden, die Monster mit den „fürchterlichen Krallen“, die so „fürchterlich brüllen“?

In Blogs und Foren kursierten fortan die wildesten Gerüchte, die noch zusätzlich befeuert wurden von schlechten Nachrichten der Produktionsfirma: Das Testpublikum reagierte schlecht, es musste nachgedreht werden, zwischenzeitlich soll Jonze sogar mal gefeuert worden sein.

Dann erschien im vergangenen März – mehr als ein halbes Jahr vor Kinostart – ein erster Teaser zum Film. Jetzt war klar, dass es einer dieser Indie-Kultstreifen werden würde: Er hatte gute Musik, ein selbstgemacht anmutendes Kritzel-Artwork und den Kultstatus der Buchvorlage im Rücken. Der Teaser schwappte durchs Web wie eine große Welle, die immer noch mehr Fahrt aufnimmt. Im August – noch drei Monate bis zur Premiere – kam der richtige Trailer, ein erstes Soundtrack-Schmankerl von Yeah Yeah Yeahs-Frontfrau Karen O erschien bei MySpace, Posterentwürfe kursierten in der Blogosphäre. Auch der Regisseur selbst fing an zu bloggen. Er zeigte Videos von der Produktion und veranstaltete einen „Fan Art Contest“, bei dem es eine „Where the Wild Things Are“-Skateboard-Edition zu gewinnen gab. Die Erwartungen an Jonze und sein neuestes Werk stiegen ins Unermessliche.

Der Trailer zu „Where the Wild Things Are“:

Als der Film am 16. Oktober endlich in den USA anlief, war es daher schon keine Überraschung mehr, dass er gleich am ersten Wochenende 32,7 Millionen Dollar einspielte. Aber war der Hype gerechtfertigt?

Tatsächlich ist „Where the Wild Things Are“ sehr liebevoll gemacht: Die übergroßen Puppen möchte man unbedingt einmal anfassen, einfach um zu wissen, wie sie sich anfühlen. Und wenn ihre Gesichter sich bewegen, weiß man gar nicht, wo die Puppe aufhört und der Computer anfängt, so gut sind sie animiert. Auch der erst zwölf Jahre alte Hauptdarsteller Max Records, dessen Gesicht man schon aus Musikvideos von Death Cab for Cutie und Cake kennt, ist ein wahrer Casting-Coup: Die Geschichte verlangt ihm die komplette Bandbreite an Emotionen ab, und er meistert sie scheinbar ohne Probleme.

Im Gegensatz zu Max sind die Monster nicht gerade Sympathieträger. Während das Buch lediglich Mutmaßungen über das Wesen der wilden Kerle zulässt, hat Jonze hier sehr umfangreich dazugedichtet. So sind Carol und Co. einerseits groß und ungestüm – sie zerstören sich gegenseitig ihre Häuser, boxen Löcher in Baumstämme und reißen einander sogar Gliedmaßen aus -, gleichzeitig haben sie aber die gleichen Ängste und Streits, Vorlieben und Abneigungen wie Menschen.

Neben den Charakteren musste natürlich auch die Handlung selbst erweitert werden, und das ist wahrscheinlich der Knackpunkt. Jonze und sein Drehbuchautor Dave Eggers haben sich gemeinsam mit Sendak verschiedene „Aktionen“ ausgedacht, zu denen Max seine Kerle anstiftet. Die passieren alle irgendwie hintereinander, ohne aufeinander aufzubauen oder eine richtige Spannung zu erzeugen.

Dazu kommt noch die sehr karge Welt der wilden Kerle, die bloß aus Wald und Wüste besteht. Der einzige Farbtupfer sind hier ein paar blühende Kirschbäume. Das ist keine Welt, in die man sich selbst einmal hineinträumen will.

Auf Dauer ist das alles zu eintönig. Man weiß nicht recht, wen man einladen soll, mit ins Kino zu kommen – bei den Freunden liefe man Gefahr, dass sie sich langweilen, und die kleine Cousine bekäme womöglich Alpträume. Als Zuschauer hat man nämlich ständig Angst, dass Max von den Monstern zertrampelt, zerquetscht, zerrissen oder gar aufgefressen werden könnte.

Natürlich kann man auch etwas mitnehmen aus diesem Film. Für die einen werden das ausführliche Charakteranalysen der wilden Kerle sein, für die anderen die Erkenntnis, dass Kinder oft unbedingt erwachsen sein wollen, während man sich als Erwachsener manchmal die Kindheit zurückwünscht.

Alles in allem ist „Where the Wild Things Are“ ein ungewöhnlicher, gut gemachter Film, der – dank der berühmten Buchvorlage – ein erweitertes Indie-Publikum erreichen wird. Der große Hype, die übersteigerten Erwartungen im Vorfeld waren aber zu viel.

Der Trailer zu „500 Days of Summer“:

Das Prinzip Hype ist trotzdem längst zur Masche der Filmstudios geworden. Ganz ähnlich lief es beispielsweise mit „500 Days of Summer“, der im vergangenen Oktober in Deutschland startete. Auch hier kursierte schon ein halbes Jahr vor der Premiere ein toller Trailer im Netz. „500 Days of Summer“ schien der perfekte Indie-Film zu sein, mit Indie-Schauspielern, Indie-Musik, Indie-Klamotten. Die Erwartungen schwappten vom Indie-Publikum auf den Mainstream über und die Besucherzahlen waren dementsprechend nicht schlecht – doch der Film war auch nicht wirklich gut.

Der nächste Kandidat steht übrigens schon in den Startlöchern: Mit „Fantastic Mr. Fox“ kommt im Mai 2010 ein weiterer vermeintlicher Indie-Knüller ins Kino. Wieder ist es eine Kinderbuch-Verfilmung (Roald Dahl), wieder gibt es einen Indie-Regisseur (Wes Anderson), Indie-Schauspieler (Bill Murray, Jason Schwartzman) und Indie-Musik (Jarvis Cocker, The Wellingtons). Wieder ist der Internet-Hype riesig. Aber wer weiß? Vielleicht wird das ja auch einfach mal ein richtig guter Film.

jetzt.de, 15. Dezember 2009

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Falls ihr diesen Film noch nicht kennt, kennt ihr ihn vielleicht doch schon – unter dem Titel “Rezept zum Verlieben”. Das amerikanische Remake mit Catherine Zeta-Jones, Abigail Breslin (!) und Aaron Eckhart ist – mal abgesehen davon, dass Eckhart kein bisschen italienisch aussieht – entsetzlich nah am Original geblieben, nur noch ein gutes Stück blockbustiger und weichspüliger. Kann man sich angucken, aber das Original ist ganz bestimmt besser. Ich meine, Martina Gedeck. Hallo?

Bestes Gericht: Spaghetti mit Tomatensoße
Übers Kochen gelernt: Musik hilft! Und man muss die Küche auch nicht immer sofort sauber machen.

Chocolat
Hach. Ausgerechnet zur Fastenzeit eröffnet Juliette Binoche eine Chocolaterie in einem kleinen, sehr katholischen, sehr misstrauischen, sehr urigen Dorf und hat dort mit zahlreichen Skeptikern, insbesondere dem fiesen Bürgermeister (Alfred Molina) zu kämpfen. Bis Johnny Depp mit seiner Zigeunertreppe kommt und alle von der Schokolade ablenkt. Wie bei “Bella Martha” gibt es auch hier ein kleines, süßes Mädchen, dass zusammen mit einem Känguruh durch den Film hopst, und noch dazu eine mürrische Alte (Judi Dench), die am Ende lieb wird.

Der Film besticht durch seine herrliche Szenerie und die wirklich gute Musik. Die läuft jetzt noch dauernd im Klassikradio, und man weiß immer gleich, woher sie stammt (das ist das große Soundtrackkunststück). Außerdem hat Johnny Depp zwei tolle Gitarrensongs beigesteuert, die auch nicht ohne sind. Vor allem sind es aber die tollen Charaktere und die starke Besetzung, die das alles zu einer wunderbaren Zartbitter-Filmpraline verschmelzen lassen.

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Eden
In “Eden” geht es um Gregor (Josef Ostendorf), einen berühmten Koch, der sowohl beruflich als auch privat nichts anderes tut als zu kochen – und Kellnerinnen zu beobachten. Dabei lernt er Eden (Charlotte Roche) kennen. Die junge Frau kellnert im Kurcafé ihrer Schwiegereltern, wo ihr Mann Xaver (Devid Striesow) den Animateur gibt. Die Beziehung der beiden läuft nicht mehr so recht, seit sie eine behinderte Tochter bekommen haben. Eden jedenfalls ist in jeder Hinsicht ausgehungert – kein Wunder, dass sie sich eines Abends über Gregors Töpfe hermacht. Seine erotisierende Küche begeistert sie unheimlich. Fortan bewirtet der Meisterkoch sie regelmäßig, und das macht eigentlich alle glücklich. Bis Xaver eifersüchtig wird.

Charlotte Roche hat in diesem Film ihr durchaus beachtliches Schauspieldebüt gegeben. Trotzdem verstehe ich nicht, warum sie allein das Plakat schmückt – denn Josef Ostendorf ist eindeutig der schauspielerische Held des Films. Es ist großartig, wie er diese erst abweisende, unsichere Figur sich allmäglich öffnen und doch immer wieder zurückschrecken lässt. Dazu kommen eine Geschichte, wie man sie nie zuvor gehört oder gesehen hat, und eine Filmmusik, die sich im Laufe der 100 Minuten zu einer wunderbaren Wehmutsmelodie auflädt. Diesen Film muss man unbedingt sehen, auch, wenn man danach – wie Eden – womöglich ein paar Tage überhaupt keinen Hunger mehr hat. Denn an Gregors “Cucina Erotica” kommt einfach nichts heran.

Bestes Gericht: Die Orgasmus-Pralinen von Leonies Geburtstagstorte
Übers Kochen gelernt: Genuss entsteht durch Mangel.

Julie & Julia
Hier werden gleich zwei Kochgeschichten parallel erzählt: Julia Child (Meryl Streep), eine unausgeglichene amerikanische Diplomatengattin, entdeckt im Paris der 50er Jahre das Kochen für sich. Sie wird ein richtiger Profi und schreibt schließlich ein Buch, “Mastering The Art Of French Cooking”, das Amerikanerinnen die französische Küche nahebringen soll. Genau das klappt auch 50 Jahre später noch, als die ebenfalls unausgeglichene junge New Yorkerin Julie Powell (Amy Adams) beschließt, Julia Childs 524 Rezepte binnen 356 Tagen nachzukochen. Ihre Erlebnisse dokumentiert sie in einem Weblog, das bald ebenso erfolgreich wird wie das Kochbuch selbst.

Beide Geschichten sind übrigens wahr, und man kann sich kaum entscheiden, welche man lieber mag. (Ich tendiere zu der mit dem Blog. Wegen dem Blog.) Die beiden Hauptdarstellerinnen sind große Klasse: Nie habe ich Meryl Streep so schrullig gesehen, sie ist quasi eine immerzu angesäuselte Mrs. Doubtfire, die noch lustiger wirkt, wenn ihr Filmehemann Stanley Tucci – einen Kopf kleiner – neben ihr steht. Und Amy Adams spielt (wie schon in “Sunshine Cleaning”) einfach so schrecklich gut die völlig normale junge Amerikanerin, sie ist so uneitel und echt, dass es einen Heidenspaß macht, ihr beim Bezwingen eines Hummers zuzuschauen oder beim Versauen einer Pastete. So anspruchsvoll wie “Eden” ist “Julie & Julia” freilich nicht, aber er macht mindestens genauso hungrig. Oder, wie die New York Times schreibt: “The film is food porn.”

Bestes Gericht: Boeuf Bourguignon
Übers Kochen gelernt: Man kann gar nicht genug Butter haben.

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„Du bist immer noch mein bester Freund!“

Alle sind gerade im „(500) Days of Summer“-Fieber. Ich war das auch – bis ich den Film gesehen habe. Er handelt von Tom, der sich in Summer verliebt. Eine Zeit lang läuft alles ganz toll. Doch Summer glaubt nicht an die Liebe und hat deshalb auch kein Problem damit, Tom nach ein paar hundert Tagen eiskalt abzuservieren.

Warum ich euch das hier genauso eiskalt auftische, ohne Vorwarnung, obwohl ihr den Film noch gar nicht gesehen habt? Weil man es sowieso schon nach zehn Minuten erfährt. Und ich glaube, das ist das Problem. Die ungewöhnliche Struktur des Films besteht aus 500 Tagen, 500 kurzen Kapiteln, die völlig durcheinander erzählt werden. Gerade noch liegt das Paar glücklich im Bett, und einen Schnitt später wird Tom, der als Grußkartentexter arbeitet, in die Trauerfall-Abteilung versetzt, weil er seit Monaten schlecht drauf ist.

Dabei hätte es eigentlich ein richtig guter Film werden können, haben die Macher doch alle Indieregeln befolgt: Es gibt einen gut gemischten Soundtrack, Klamotten, wie man sie sonst nur im Second-Hand-Laden findet, und diese ganz typische Bildsprache. Mit Joseph Gordon-Levitt und Zooey Deschanel wurden außerdem genau die richtigen Schauspieler besetzt. Solche, die eben nur Insider kennen und diejenigen, die die entsprechenden Blogs und Magazine lesen. Sie ist so, wie Amerikaner sich Nora Tschirner auf Französisch vorstellen, und er ja sowieso der neue Heath Ledger.

Die ganze Handlung ist ebenfalls indieindie, bis ins Detail: Summers Lieblings-Beatle ist ausgerechnet Ringo (!?), und es gibt diese romantischen Szenen, von denen man sich auch vorstellen kann, nein, will, dass sie einem selbst passieren, im echten Leben. Man will auch mal bei Ikea mit dem Liebsten heile Welt spielen oder eine ganze Skyline von ihm auf den Arm gemalt bekommen.

Und obwohl das alles so toll klingt und ist, will der Funke nicht recht überspringen. Durch das vorweggenommene Ende und das ständige Springen zwischen den Gefühlen stellen sich einfach keine richtigen Emotionen beim Zuschauer ein. Anders als bei Mainstream-Romanzen wie „Message in a Bottle“ oder „Wie ein einziger Tag“ – wo man ja auch von Anfang an weiß, dass sie einfach nicht gut ausgehen können – bleibt einem hier nicht mal dieser kleine Hoffnungsstängel, an den man sich die 95 Minuten lang klammern könnte.

Vielleicht bin ich auch einfach zu romantisch veranlagt, wer weiß? Mir blieb jedenfalls der Geschmack eines streng nach Rezept gekochten Indiegerichts auf der Zunge, dem das gewisse Etwas fehlte. Gleichzeitig werde ich wohl auch weiterhin vom frischverliebten Joseph Gordon-Levitt träumen und davon, wie für ihn das Leben zum Musical wird. Er ist halt der neue Heath Ledger. Oder vielleicht sogar noch schnuckeliger.

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“Burt, sind wir Loser?”

Dass er auch Komödien machen könnte, die ähnlich großartig sind wie die beiden Dramen „American Beauty“ und „Zeiten des Aufruhrs“, hätte ich ja, ehrlich gesagt, von Sam Mendes gar nicht gedacht. Mit „Away We Go“ beweist er jetzt krachend das Gegenteil, denn dieser Film ist mitten in mein Humorherzzentrum eingeschlagen.

Es geht um Verona und Burt, dargestellt von den mir bis dato völlig unbekannten Schauspielern Maya Rudolph und John Krasinski. (So guuut, dass ich bald einen Fanclub gründen werde.) Am Anfang sieht es tatsächlich aus, als wären die beiden ziemliche Loser: Sie haben komische Über-Wasser-Halt-Jobs, Fenster aus Pappe und Eltern, die das Wort “Egoismus” völlig neu definieren, indem sie – wo Maya doch gerade schwanger ist! – einfach mal eben nach Belgien auswandern wollen. Jetzt, wo sie nichts mehr Zuhause hält, beschließen die beiden, im Rahmen einer großen Nordamerikareise den besten Ort zum Kindergroßziehen und Familiesein zu finden. Sie besuchen Freunde und Verwandte in Phoenix, Miami, Montreal und stellen bald fest, dass es nicht den einen Ort gibt, und schon gar nicht die eine Vorstellung von Familie.

Und wer anfangs noch dachte, Verona und Burt seien verrückt, wird schnell eines Besseren belehrt – die Leute, die sie da treffen, sind nämlich noch viel verrückter! Der Film, der in Schwung und Optik an “Little Miss Sunshine” erinnert, porträtiert zum Beispiel Veronas schrullige Ex-Chefin mit ihren dicken Kindern, oder Burts Studienfreundin “LN”, die zu einer gruseligen Esoteriktante mit unverständlicher Buggyphobie mutiert ist. Dann sind da noch die alten Freunde Tom und Munch, die nur auf den ersten Blick das perfekte Leben zu führen scheinen: Munch legt am Ende der Episode einen buchstäblichen Seelenstriptease hin. Damit kommt – völlig zurecht – der Nebendarstellerin Melanie Lynskey eine der zwei emotionalsten Szenen zu.

Das alles ist aber eben nicht nur emotional und mitunter dramatisch, sondern vor allem sehr, sehr lustig. Da sind so wunderbar unaufdringliche Running Gags wie Burts geschäftliche Telefonate, für die er immer seine Stimme verstellt, um ernst genommen zu werden. Oder seine Versuche, die Herzfrequenz des Babies in Veronas Bauch zu erhöhen, indem er sie regelmäßig zu Tode erschreckt.

Am Ende, nach vielen tollen Dialogen und viel guter Musik von Singer-Songwriter Alexi Murdoch, steht die Einsicht, dass man sich wohl nicht vornehmen kann, sein Zuhause zu finden – das Zuhause findet seine Bewohner. Oder holt sie ein. Und genau das ist der zweite emotionalste Moment dieses sehr sehenswerten Films.

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“Es macht mir nichts, dass meine Krankheit mich zerstört, aber sie zerstört auch meine Familie.”

Manchmal ist das ja so, da braucht man eine bestimmte Sorte Film. Ich habe zum Beispiel hin und wieder ganz plötzlich Lust auf einen typischen Hollywood-Liebesfilm. Dann schaue ich mir “E-Mail für dich” an oder “Während du schliefst” oder “Was das Herz begehrt”. Andere Leute haben das mit traurigen Filmen. Solche, bei denen man die ganzen anderthalb (oder bei dem Genre auch gerne mal zwei oder sogar zweieinhalb) Stunden lang weiß, dass es nicht gut ausgehen kann, und die schon auf dem Weg zu ihrem schrecklichen Ende mit lauter Heulszenen gespickt sind.

Ich sehe sowas ja nicht so gern – aber der Trailer zu “Beim Leben meiner Schwester” war einfach zu gut. Außerdem mag ich Abigail Breslin, die junge Hauptdarstellerin, und wollte wissen, wie Cameron Diaz sich in ihrer ersten Mutterrolle macht.

Wie sich herausstellte, ist “Beim Leben meiner Schwester” ein ziemlich guter trauriger Film, wenn man bedenkt, dass er fürs Mainstreamkino gemacht wurde. Es geht um Familie Fitzgerald, deren ältere Tochter Kate (sehr toll: Sofia Vassilieva) schon als kleines Mädchen an Leukämie erkrankte. Daraufhin entschieden ihre Eltern, künstlich ein drittes Kind zu zeugen, um Kate mit Knochenmark, Blut und Zellen versorgen zu können. Inzwischen ist Anna (genauso toll: Abigail Breslin) ein Teenager, und als sie Kate auch noch eine Niere spenden soll, beschließt sie, ihre Eltern auf das Recht an ihrem Körper zu verklagen.

Hier kommen Alec Baldwin als Staranwalt und Joan Cusack als Richterin ins Spiel, die jedoch Nebenfiguren bleiben sollen. Der Film hält sich nämlich gar nicht lange mit dieser hochkomplizierten moralischen Frage auf (Darf Anna sich einfach weigern, ihrer Schwester zu helfen, und sie so zum Tode verurteilen?), sondern geht dazu über, ein sehr amerikanisches Porträt dieser Familie zu zeichnen.

Was mir so gut gefallen hat, ist, dass dabei nicht das übliche 08/15-Muster verwendet wurde, sondern Regisseur Nick Cassavetes (der den Heulfilmfans seit “Wie ein einziger Tag” ein Begriff sein dürfte) ein paar schöne Ideen eingebracht hat. So wird im Laufe der zahlreichen Rückblenden, die Kates Krankheitsverlauf schildern, jedes Familienmitglied mal zum Erzähler und darf die eigene Sicht der Dinge beschreiben. Zudem beschränkt sich die Story nicht darauf, bloß das Leben der Familie mit dem Krebs zu zeigen. Obwohl das natürlich einen großen Teil ausmacht und an rührseligen Luftblasen-/Strand-/Glatzenszenen nicht gespart wird, werden auch andere Dinge wie die schulischen Schwierigkeiten des Bruders und die Beziehungsprobleme der Eltern beleuchtet.

Das macht “Beim Leben meiner Schwester” zu einem guten Mainstream-Heulfilm, der sich von all den anderen durch seine Vielschichtigkeit, sein überraschendes Ende und vor allem seine wunderbaren Jungschauspieler abhebt, die ihre “Mama” Cameron Diaz locker in den Schatten stellen.

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Kino ist sehr beliebt in Costa Rica, obwohl die Auswahl – zumindest bei den Ketten – sehr beschränkt ist. Außer “Harry Potter” und “La Era del Hielo 3″ läuft im Moment eigentlich gar nichts. Weil man in den normalen Kinos ewig lang anstehen muss (vor allem mittwochs, wenn es zwei Karten zum Preis von einer gibt), hatte uns meine Gastmutter das “VIP Kino” empfohlen, das für costaricanische Verhältnisse etwas teurer ist.

Als wir das Kino betraten, stieg uns sofort der künstlich-süße Geruch des Popcorns in die Nase. Mir brannten die Augen, so süß war die Luft! Meine Gastschwester Anna, ein großer Popcornfan, kaufte mutig eine XXL-Portion. Nach einer halben Stunde stellte sie aber fest, dass dieses Popcorn selbst für sie viel zu süß ist.

Das Kino dagegen war tatsächlich ganz VIP-mäßig: Es gab wunderbar weiche, tiefe Sessel, die sogar eine ausfahrbare Fußablage hatten, und wer wollte (?!), konnte sich noch mehr Popcorn direkt zum Platz bringen lassen. Es war so gemütlich, dass ich dort auch hätte einschlafen können, wäre der Film nicht so gut gewesen.

Ich mag die “Harry Potter”-Filme, weil sie mich wirklich gut unterhalten: Sie sind lustig und spannend, und ich freue mich immer über all die fantasievollen Ideen aus der Zauberwelt. Die kenne ich nämlich meistens gar nicht, weil ich die letzten Bücher nicht mehr gelesen habe. Genau deshalb spare ich mir nun auch jede tiefer gehende Kritik – da müsst ihr meine Gastgeschwister fragen, die kennen sich besser aus!

Von dem “VIP-Kino” war Anna jedenfalls so begeistert, dass sie jetzt ungeduldig auf den Start des nächsten untertitelten Blockbusters wartet, um nochmal hinzugehen. Dann allerdings ohne Popcorn.

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“Machen wir uns gerade strafbar?” – “Nein, das nennt man Spitzenjournalismus.”

In Hamburg habe ich einen Workshop bei Spiegel-Redakteur Jürgen Dahlkamp besucht, der uns erzählt hat, wie investigativer Journalismus geht. Das klang zwar reizvoll, aber nicht gerade spannend. Eher nach ziemlich viel Aktendurchsicht, Telefoniererei und langen Wartezeiten. Ein ganz anderes Bild entwirft da “State of Play”, ein toller Thriller, der zwei Washingtoner Journalisten beim Aufdecken eines politischen Komplotts begleitet.

Alles fängt mit zwei Morden an: Der eine, in einem Hinterhof, weckt das Interesse des Journalisten Cal McAffrey (Russell Crowe). Mit seinem Bauchansatz, den ungepflegten Haaren und seiner cool-dreisten Art entspricht er ganz dem üblichen Klischee des verlotterten Reporters. Der andere Mord geschieht an der jungen Assistentin des Kongressabgeordneten Stephen Collins (wunderbar glatt: Ben Affleck), die gerade mit Ermittlungen gegen einen großen Konzern beschäftigt war. Wie sich bald herausstellt, hatte sie auch noch eine Affäre mit ihrem Chef – genau der richtige Stoff für das Politblog von Della Frye (Rachel McAdams), Cals junger Kollegin aus dem Online-Ressort des “Washington Globe”.

Als klar wird, dass die beiden Morde irgendwie zusammenhängen, treffen Print- und Onlinejournalismus aufeinander. Dieses Thema hat Regisseur Kevin Macdonald ganz bewusst gesetzt. Ihm ging es um die Frage, wie die Zukunft des Journalismus aussieht – und sein Film regt tatsächlich zum Nachdenken an. Doch nicht nur die Kluft zwischen Print und Online wird thematisiert (zum ersten Mal werden hier übrigens Web- statt Titelseiten abgefilmt, um die neuesten Schlagzeilen zu zeigen), sondern auch das Massensterben der amerikanischen Zeitungen. Helen Mirren verkörpert dieses Dilemma ganz wunderbar als toughe Chefredakteurin, die hin- und hergerissen ist zwischen Auflage und Qualität.

Selten schafft es ein Thriller, neben seiner eigentlichen Handlung ein solches Thema anzugehen – noch dazu so ausführlich. Doch damit nicht genug. Weitere Fragen, die bis zum Ende offen bleiben, drehen sich um Krieg: Wer profitiert von den Unruhen in Afrika? Wer finanziert sie? Und wieso stoppt das niemand?

Neben dem Szenenbild, das vor allem die Atmosphäre in der Globe-Redaktion sehr gut vermittelt, sind auch ie Schauspieler in “State of Play” durch die Bank toll. Sie schaffen es auffallend schnell, das Beziehungsgeflecht der Charaktere untereinander zu verdeutlichen: Die Skepsis der jungen Bloggerin gegenüber dem alten Hasen, dessen Hassliebe zu seiner Chefin und nicht zuletzt seine vielen Flirts mit Informanten, Kommissaren, Pathologinnen, die dem Zuschauer ein anerkennendes Grinsen entlocken.

Am fragwürdigsten ist aber wohl Cals Freundschaft mit dem Abgeordneten, über den er nun berichten muss. Die beiden haben sich als Studenten ein Zimmer geteilt und auch die Frau des Politikers ist dem Reporter nicht gerade egal. Da wird so manch boulevardeske Schlagzeile unterdrückt, und der Zuschauer fragt sich: Macht er das nun für das Renommee seines Freundes oder für das seiner Zeitung?

Bei alldem könnte man jetzt denken, die Spannung komme hier viel zu kurz, aber das Gegenteil ist der Fall. Das Tempo des Films ist genau richtig, und die Spannung zieht sich durch kluge (auch gut synchronisierte!) Dialoge, drückende Verfolgungsszenen und gut gesetzte Actionsequenzen. Deshalb kann ich “State of Play” auch ganz uneingeschränkt empfehlen – selbst, wenn investigativer Journalismus in Wahrheit womöglich viel weniger abenteuerlich ist.

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“Du vertraust mir doch auch nicht!”

Was nun folgt, ist eine Warnung: Tut es nicht so wie ich. Fallt nicht auf den wirklich verheißungsvollen Trailer zu “Duplicity”, dem neuen Film von Tony Gilroy, herein. Dieser Mann hat die “Bourne”-Triolgie gedreht und vor einiger Zeit auch “Armageddon”. Da verzeiht man ihm einen Schnitzer wie “Michael Clayton”, ja, man vergisst ihn sogleich und kommt schon gar nicht auf die Idee, misstrauisch zu werden gegenüber dem Nachfolgewerk.

Der Trailer jedenfalls suggeriert eine wunderbare Thrillerkomödie á la “Mr. & Mrs. Smith” – zwei Spione aus gegnerischen Lagern, die sich miteinander verbünden, um in Liebe (und Ruhe und Reichtum) zusammen zu leben – was will man denn mehr? Zumal Julia Roberts und Clive Owen schon in “Closer” ein spannungsreiches Paar abgegeben haben.

Wir packten also unsere sieben Sachen, und dann nichts wie los ins Kino. Kaum saßen wir da jedoch drin, war es, als ob man mit voller Wucht gegen eine Scheibe rennt. Die Anfangssequenz ist ein Sinnbild für den Rest des Films: Viiiiieeeeel zu laaaaangsaaaam prügeln sich da zwei Personen, die nicht die Hauptdarsteller sind und diesen doch die Show rauben werden.

Paul Giamatti und Tom Wilkinson verkörpern die Chefs zweier konkurrierender Kosmetikunternehmen, für deren Spionageabteilungen Claire (Roberts) und Ray (Owen) arbeiten. Letztere warten auf den großen Knüller, die neueste Erfindung, das innovative Produkt, dessen Formel sie stehlen und zu Geld machen können. An dieser Stelle wird das “Mr. & Mrs. Smith”-Konzept erweitert um einen satirischen Aspekt, der genüsslich in alle Richtungen ausgewälzt wird.

Das wäre ja nicht schlecht, wenn dafür nicht die Spannung verloren ginge. Stattdessen steht Verwirrung auf dem Programm, und zwar nicht zu knapp: Weder die ständigen Zeitsprünge und Ortswechsel noch die nervigen Split Screens schaffen es, den Film in Fahrt zu bringen. Das alles (und die viel zu langsame Kameraführung im Kontrast dazu) verärgert nur, weil man doch auf eine leichte Komödie gehofft hatte und nicht auf einen Film, bei dem man Buch führen muss über die Verwicklungen und Hinterlisten der Hauptfiguren. Von dem enttäuschenden, völlig falschen Ende will ich gar nicht erst anfangen.

Spart euch also “Duplicity” und schaut euch lieber mal wieder Angelina und Brad an – da weiß man, was man hat.

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„Nur unerfüllte Liebe kann romantisch sein.“

In „Vicky Cristina Barcelona“ macht Woody Allen mal ein paar Dinge anders. Das fällt schon beim Vorspann auf, der zwar im üblichen Weiß auf Schwarz den Film eröffnet, aber statt mit klassischer diesmal mit flotter spanischer Musik daherkommt. Der tolle Mix aus urigen Gitarrenklängen und luftig-leichten Tanzstücken prägt diesen Film ganz besonders und ist sicher einer der besten Allen-Soundtracks seit langem.

Kaum hat man sich darüber gefreut, kommt schon die nächste Neuerung: Ein Erzähler – der sich im Verlauf des Films allerdings als völlig überflüssig erweisen wird – führt die Hauptfiguren ein. Die Amerikanerinnen Vicky (Rebecca Hall aus Frost/Nixon!) und Cristina (Scarlett Johansson!) kommen nach Barcelona, um bei einem befreundeten Ehepaar den Sommer zu verbringen. Bei einer Vernissage lernen sie den Künstler Juan Antonio (Javier Bardem!) kennen, der sie spontan zu einem Liebeswochenende nach Oviedo einlädt. Während die frisch verlobte Vicky die Einladung entrüstet zurückweisen will, ist Cristina gleich hingerissen von der offenen, verwegenen Art des Malers. Am Schluss fahren beide mit – und verfallen ihm auch beide (hintereinander).

Schon in dieser ersten halben Stunde macht der Film vor allem eins: Lust auf Spanien. Wenn das Trio Oviedos Kunstschätze besichtigt, die Freundinnen durch Barcelonas Gassen streifen und Vicky abends ganz entrückt der Gitarrenmusik lauscht, will man sofort auch dahin und diesen aufregenden Sommer miterleben.

Cristina zieht bald zu Juan Antonio, um dann von der Rückkehr seiner Ex-Frau überrascht zu werden. Die temperamentvolle Maria Elena (Penélope Cruz!) hat versucht sich das Leben zu nehmen, und muss jetzt von Juan Antonio gesund gepflegt werden. Für Cristina eine verzwickte Situation: Schnell begreift sie, dass die beiden Künstler noch immer eine große Leidenschaft füreinander verbindet.

Es stellt sich heraus, dass Juan Antonio und Maria Elena nicht mit- und nicht ohne einander können. Cristina wird zur „fehlenden Zutat“ – und die Paar- zur Dreierbeziehung, in der jeder mal mit jedem schläft. Tatsächlich hat Woody Allen es aber hinbekommen, das Ganze zu keiner Zeit anrüchig oder albern wirken zu lassen. Stattdessen vermischt sich die kühle Sommerbrise Barcelonas mit einer prickelnden Erotik, die von den beiden so unähnlichen Powerfrauen Johansson und Cruz befeuert wird. Letztere füllt ihre aufbrausend-heißblütige Rolle dabei so großartig aus, dass man manchmal sogar lachen muss, so süß ist ihre Wut. Den Oscar für die beste Nebendarstellerin gabs also völlig verdient.

Und dann wäre da noch Rebecca Hall. Ihre – übrigens herrlich sarkastische – Figur wird von ihrem New Yorker Verlobten überrascht, der sich in den Kopf gesetzt hat, sie spontan in Spanien zu heiraten. Das Wiedersehen mit ihm fällt jedoch verhalten aus, da Vicky seit dem Ausrutscher mit Juan Antonio von einem schlechten Gewissen und Zweifeln an ihrer Liebe für Doug gequält wird.

Überraschend für einen Woody Allen-Film ist auch das Ende, das an dieser Stelle aber ja wohl kaum verraten werden darf. Der Zuschauer weiß jedenfalls schon: Die nächste Reise geht nach Barcelona.

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“When the President does it, that means it’s not illegal.”

Das Tolle an „Frost/Nixon“ ist, dass man nicht mal viel über Watergate wissen muss, um diesen Film wirklich packend und gut zu finden. Denn tatsächlich geht es nicht vordergründig um die politische Affäre, die den Präsidenten 1974 zum Rücktritt zwang. Darüber sind wahrscheinlich auch genug Filme gedreht worden. Stattdessen geht es darum, mit ihr aufzuräumen.

Initiator ist der Fernsehmann David Frost (Michael Sheen), den man eigentlich eher als Entertainer bezeichnen würde statt als Journalisten. Kein Wunder also, dass kein amerikanischer Sender seine Angebote für die Rechte an den Interviews ernst nimmt. Frost muss die zwei Millionen Dollar teure Produktion aus eigener Tasche bezahlen und vergisst über das ganze Investorenumwerben fast völlig, sich auf die vier Interviewtage vorzubereiten.

So ist der ehemalige Präsident Richard Nixon (Frank Langella) gleich von Beginn an im Vorteil und raubt Frost und seinem Team mit reichlich langen Antworten wertvolle Zeit. Das Team besteht übrigens aus tollen Schauspielern wie Matthew Macfayden (Mr. Darcy aus „Stolz und Vorurteil“ – aber plötzlich blond!) oder Oliver Platt (der noch viel mehr Nebenrollen in allen Filmen spielen soll). Sie sorgen mit ihren spitzfindigen Sprüchen für Abwechslung, während die wunderbare Rebecca Hall als Frosts Freundin den Glamour in den Film bringt.

Der Zuschauer indes fiebert mit und schämt sich fremd, für Frost, der wochenlang große Töne gespuckt hatte und nun nichts bieten kann außer eines ziemlich penetranten Grinsens. (Dieses Grinsen kennen wir übrigens schon aus „Die Queen“, wo Michael Sheen Prime Minister Tony Blair verkörperte.)

Das ist umso schlimmer, weil der Zuschauer selbst zwischen den Stühlen sitzt. Denn während politisch gesehen eigentlich klar sein sollte, auf wessen Seite man steht, werden aus charakterlicher Sicht die Karten neu gemischt. Frank Langella stellt Nixon nämlich keineswegs als eiskalten Politiker dar. Ihm geht es genau wie dem Journalisten um die eigene Rehabilitation. Von Anfang an ist aber klar, dass die nur einer von beiden bekommen kann.

Dabei überrascht, wie gut es Regisseur Ron Howard gelingt, diese Geschichte, die eigentlich nur aus Dialog besteht, spannend wie einen Actionfilm zu gestalten. Die Wortgefechte erinnern an Schach, das auch nur eine Metapher für Krieg ist. Nicht umsonst betont Nixon immer wieder, dass hier „mit harten Bandagen“ gekämpft werde. Am Ende, und das darf man ja ruhig verraten, werden seine schwächer sein. Der Zuschauer verlässt den Kinosaal mit einer derart großen Zufriedenheit, dass sie wahrscheinlich nur noch von David Frost selbst übertroffen werden könnte.

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“Du bist nicht die Ausnahme, du bist die Regel!”

Die Grundidee von „Er steht einfach nicht auf dich“ ist ja eigentlich nicht schlecht. Die haben sich wahrscheinlich gedacht: Machen wir doch mal wieder so einen richtig schönen Liebesfilm, am besten mit tollen Schauspielern. Scarlett Johansson zum Beispiel, oder Jennifer Connelly. Tja, und das wars dann auch schon mit den guten Ideen.

Dann fingen sie nämlich an, Fehler zu machen, die wir schon aus anderen Liebesfilmen mit tollen Schauspielern kennen. Nehmen wir doch nur mal „Tatsächlich… Liebe“: Die Fehler, die bei diesem Film gemacht wurden, wiederholen sich hier fast 1 zu 1. Man hat den ohnehin schon merkwürdigen Originaltitel einfach plump ins Deutsche übersetzt. Man hat versucht, zu viele Protagonisten durch zu viele Geschichten zu verbinden. Aber hey, wenigstens hat man das Ganze damals nicht auch noch in dumme Kapitel eingeteilt!

Und im Gegensatz zu „Tatsächlich… Liebe“, der mit Hugh Grant und Colin Firth gleich zwei schnuckelige Typen aufweisen konnte (ganz zu schweigen von Liam Neeson und Mr. Snape), hat dieser Film von der männlichen Seite aus rein gar nichts zu bieten. Außer natürlich man steht auf Ben Affleck.

Leider wird auch die weibliche Seite durch Fehlbesetzungen wie Jennifer Aniston, die einfach nicht aus ihrer „Friends“-Rolle herauskommt, wieder neutralisiert. Scarlett Johansson teilt übrigens das Schicksal von Frau Aniston, zumindest was diesen Film anbelangt. Ihre Figur erinnert stark an die forsche Lola aus „Match Point“ – nur oberflächlicher.

Achja, und dann ist da natürlich noch der Plot. Er hangelt sich an Gigi (Ginnifer Goodwin) entlang, die sich immer wieder in Typen verguckt, die rein gar nichts von ihr wissen wollen. Als Erzählerin geht sie eigentlich den ganzen Film über der Frage nach, woran es bloß liegt, dass man mitunter zurückgewiesen wird. Leider findet sie aber keine Antworten.

Die einzelnen Episoden, die sich um das Liebesleben von ihr, ihren Bekannten und den Bekannten ihrer Bekannten drehen, sind dabei allesamt viel zu schlicht und vorhersehbar. So hätte man den Erzählstrang um Mary (Drew Barrymore), die eine Single-Redakteurin bei einem Schwulenmagazin verkörpert und ausschließlich per Web 2.0 flirtet, sicher viel lustiger und nerdiger gestalten können.

Alles in allem finden sich vielleicht drei wirkliche Lacher, zwei vielversprechende (aber falsch umgesetzte) Ideen und null wahre Sätze in diesem Film, der auf dem Beziehungsratgeber der beiden „Sex and the City“-Autoren Greg Behrendt und Liz Tucchilo basiert. Wenn die Macher dann statt einer Schlussszene fünf aneinanderklatschen und selbst im Abspann noch nicht zum Ende kommen können, fragt man sich, warum man eigentlich die Kinokarte gekauft hat.

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“Ich bevorzuge Geschichten, die so vernünftig sind, auf den Seiten zu bleiben, wo sie hingehören.”

Auf Tintenherz habe ich mich sozusagen ängstlich gefreut. Gefreut deshalb, weil Cornelia Funke die Autorin meiner Kindheit ist. Ich habe bestimmt 15 Bücher von ihr im Regal und jedes wirklich verschlungen. Ängstlich, weil die Verfilmung ihres bisher größten und aufwendigsten Werkes im Vorfeld vielfach kritisiert wurde: Die Darsteller seien entweder zu alt oder zu jung, zu viele Dinge seien ausgelassen worden, das Ende fatal verändert.

Ich glaube, die meisten dieser Kritiker gehören zu der Sorte, die Literaturverfilmungen grundsätzlich nicht so gut haben kann. Vor allem, wenn es sich, wie bei „Tintenherz“, um eine Ode an die Bücher handelt: Da kann der Hauptdarsteller das, wovon jeder Leser eines gutes Buches träumt – die Geschichten Wirklichkeit werden lassen. Als er jedoch einen Schuft aus einer Fantasiewelt herausliest, nimmt das Ganze eine dunkle Wendung. Ein Stoff, der wie gemacht ist für die Leinwand!

Zumal Cornelia Funke uns doch in den letzten Jahren mehrmals gezeigt hat, wie gut ihre Werke im Kino funktionieren: Die Verfilmungen von den „Wilden Hühnern“, vom „Herrn der Diebe“ und insbesondere „Mississippi“ waren allesamt sehr gelungen und für Kinder sicher ebenso ansprechend wie die Bücher.

Bei „Tintenherz“ ist es nun nicht viel anders, mit dem Unterschied vielleicht, dass hier erstmals wahre Hollywood-Größen zum Einsatz kommen: Brendan Fraser gibt einen herrlichen Mo – kein Wunder, ist er doch gut mit der Autorin befreundet, die ihn schon beim Schreiben der Figur vor Augen hatte. Und dann Helen Mirren, bei der ich mich gefragt habe, warum ich eigentlich beim Lesen nicht selbst auf sie gekommen bin. Sie passt so perfekt in diese Rolle, ihre schnippische Art, ihr Gang, sogar die spitze Nase entsprechen genau der Elinor, die ich mir immer vorgestellt habe.

Und dann natürlich Paul Bettany, der den innerlich zerrissenen Charakter von Staubfinger wirklich gut darstellt. Den Mann mag ich ja sowieso, obwohl er der erste und bislang einzige Schauspieler ist, durch den ich im Kino vor Schreck einen Wadenkrampf bekam (als er als Mönch in „Sakrileg“ kurz nach der Pause so von der Seite reinspringt (das hat er dann in „Wimbledon“ wieder gutgemacht)).

Die Kritik, dass gerade die Kinder, Meggie und Farid, älter sind als im Buch, mag zutreffen – ist aber nicht von Belang, denn der Film funktioniert auch mit einer 14- oder 15jährigen Meggie (Eliza Hope Bennett) sehr gut. Bei Farid (Rafi Gavron) dagegen war ich ein bisschen enttäuscht, der schien nun wirklich viel zu alt.

Ansonsten kommen aber tatsächlich alle guten Personen in „Tintenherz“ genauso rüber, wie ich sie im Kopf hatte – ganz im Gegensatz zu den bösen. Vielleicht liegt das daran, dass Beschreibungen von Bösewichten (insbesondere, wenn sie einer Fabelwelt entspringen) der Fantasie einen viel größeren Spielraum lassen. Mir persönlich waren die Schurken im Film alle noch nicht fies und ruppig genug. Gruselig war es aber trotzdem!

Das liegt sicher auch an den wunderbaren Kulissen. Auf der einen Seite sind da die gemütlichen Büchermärkte in italienischen Dörfern, über die Meggie mit ihrem Vater streift, und das einladende große Haus von Elinor, das nicht weniger Bücher aufweist und direkt am Meer gelegen ist. Auf der anderen Seite die finstere, verlotterte Festung von Chef-Bösewicht Capricorn, der dort mit einer missratenen Armee sein Unwesen treibt. Ich glaube, Cornelia Funke hatte ihren Spaß an diesen so liebevoll gestalteten, detaillierten Sets. Vielleicht war es sogar ein bisschen so, als ob man sie in ihre eigene Welt versetzt hätte. Denn genau darum geht es ja in „Tintenherz“: Dass Bücher wirklich werden und man an den Geschichten teilnehmen kann.

So ist der Film auf jeden Fall etwas für alle Leseratten, aber auch für Fantasten und Abenteurer, die an einem langweiligen Winterabend mal wieder etwas erleben wollen. Ich jedenfalls hoffe, dass die Trilogie auch im Kino vervollständigt wird und es nicht bloß bei diesem ersten Teil bleibt. Und vielleicht kann man ja beim nächsten Mal auch das Ende von der Vorlage übernehmen.

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„Die größte Überraschung im Leben eines Mannes ist das Alter.“

In einem sehr europäisch wirkenden New York lebt David Kepesh (Ben Kingsley), kahlköpfiger Professor und Teil der städtischen Bildungselite. In Fernsehsendungen spricht er über Literatur, in der Uni wird er von seinen Studentinnen angehimmelt – und nutzt das auch aus. Doch vor einiger Zeit hat man neben seinem Büro ein Schild mit der Notrufnummer für sexuell belästigte Frauen aufgehängt. Seitdem läuft es nicht mehr so gut. Zum Glück hat er noch diese andere regelmäßige Affäre, gespielt von Patricia Clarkson, die weder durch Verpflichtungen noch durch Erwartungen die heiß geliebte Unabhängigkeit des alternden Mannes einschränkt.

Doch dann lernt er die kubanischstämmige Studentin Consuela (Penelope Cruz) kennen und verfällt ihr völlig. Am liebsten würde er sie besitzen, hätte er sie ganz für sich. Aber diese sehr kluge und elegante Frau weiß, was sie will – und auch, was sie nicht will. So liest sie ihm die Leviten, als er sie, von Eifersucht getrieben, verfolgt. Später wendet sich das Blatt: Nun will sie eine ernste Beziehung und gibt ihm schließlich den Laufpass, weil er sich nach über einem Jahr noch immer weigert, ihre Eltern kennenzulernen. Das stürzt Kepesh in eine tiefe Krise.

Besonders interessant ist, dass dieser Film, der auf dem Roman „Das sterbende Tier“ von Philip Roth basiert, von einer Frau realisiert wurde. Regisseurin Isabel Coixet, selbst erst 48, beobachtet den alten Macho aus weiblicher Perspektive – was die Zuschauerinnen neben mir öfters entsetzt schnaufen ließ. Doch dieses Schnaufen wurde mit der Zeit weniger, bis ich nach einer halben Stunde gar nichts mehr hörte. Denn durch die Begegnung mit Consuela zeigen sich neue Charakterzüge Kepeshs, die ihn wenn auch nicht sympathisch, dann doch zumindest menschlicher erscheinen lassen.

So würde man sicher zehnmal lieber mit Dennis Hopper befreundet sein, der den besten Freund der Hauptfigur spielt. Er ist einer von den wenigen Menschen, die den Professor sein Leben lang begleiten. Auch darum geht es in „Elegy“, dessen Handlung sich über mehrere Jahre erstreckt. Der Film beschreibt sehr genau das engere soziale Netz des Professors. Da wäre, neben dem besten Freund und der Daueraffäre, noch sein Sohn (Peter Sarsgaard), mit dem ihn eine Hass-Liebe verbindet. Zum Schluss wird er durch die Gespräche mit ihm zu einer neuen Erkenntnis kommen. Leider ist es dann schon fast zu spät.

In einer Vorlesung am Anfang des Films erklärt Kepesh seinen Studenten, dass ein Buch nicht mehr dasselbe sein wird, wenn man es nach zehn Jahren noch einmal liest. Das trifft bestimmt auch auf diesen Film zu. Da ist so oft die Rede von Ehe, langen Beziehungen (und kurzen), vom Altern und Vergänglichkeit, dass man, wenn man mehr Erfahrungen mit diesen Dingen gemacht hat, sicher noch viel mehr aus dem Stoff herausziehen kann. Vielleicht erkennt man sich dann sogar in der Figur David Kepesh wieder.

Gerade deswegen bin ich so gespannt auf den Tag, an dem ich diesen sehr ruhigen, sehr guten Film noch einmal sehen werde. Ich freue mich jetzt schon auf die erneuten ausführlichen Charakterisierungen, die durchweg guten Schauspieler und die leise Musik – und auf die vielen neuen Dinge, die ich dann an „Elegy“ entdecken werde.

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“Ein Alkoholproblem? Du bist Mormone, verdammte Scheiße! Im Vergleich zu dir hat jeder ein Alkoholproblem!”

Zu Burn After Reading kann ich einfach nicht viel schreiben. Ich habe die Geschichte bis heute nicht ganz geblickt. Gibt es überhaupt eine? Normalerweise sollte das die erste Voraussetzung für einen Film sein. Ich glaube, bei diesem war es das nicht.

Es ging wohl viel mehr um fünf großartige Schauspieler: George Clooney. Brad Pitt. Tilda Swinton. Frances McDormand. John Malkovich. Schon ein einzelner dieser Namen zieht die Leute wie ein Magnet in die Lichtspielhäuser – womöglich ist das eines der Dinge, über die sich mit diesem Film lustig gemacht werden soll. Sowieso wird sich über grundsätzlich alles lustig gemacht, ich finde gar keinen Anfang, das aufzuzählen.

Jedenfalls ist dann da eine Fitnesstrainerin mit schwabbeligen Oberarmen, ein Fitnesstrainer mit merkwürdiger Frisur, ein Typ mit Sucht nach Sex, ein anderer Typ, der vom Geheimdienst gefeuert wurde, und durch ein paar dumme, wirklich dumme Zufälle kreuzen sich die Wege dieser Leute. Das führt zu einem großen Gag-Feuerwerk, aus dem ganz besonders Brad Pitt hervorsticht. Er ist einfach grandios doof – was jedoch dazu führt, dass er den Film frühzeitig verlassen muss.

Die anderen vier toben sich – gemeinsam mit tollen Nebendarstellern wie Richard Jenkins und J.K. Simmons (dem Papa von Juno) – weiter auf der großen “Burn After Reading”-Spielwiese aus. Irgendwo habe ich gelesen, dass George Clooney den Coen-Brüdern geschworen hat, dies sei das letzte Mal, dass er für sie einen Schwachkopf gebe. Auch wenn er genug hat, kostet er das noch einmal voll aus.

Zu Beginn des Films hatte die Kamera aus dem Weltall heraus auf einen Flecken Erde gezoomt. Ganz am Ende zoomt sie aus genau diesem Ort wieder heraus. Der Film endet, wo er aufhört, und der Zuschauer sitzt da und sieht den Abspann, im Kopf eine Verwirrung a la “Was lernen wir daraus?”. Doch selbst darüber haben sich die Coen-Brüder ja kurz zuvor schon lustig gemacht. In einer der letzten Szenen hat nämlich der Boss der CIA seinen Angestellten genau das gleiche gefragt.

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Michael Clayton

Hier erinnere ich mich sogar viel mehr an die Umstände, unter denen ich den Film gesehen habe, als an den Film selbst. Es ging um irgendeinen verlotterten Anwalt (George Clooney) der was mit einer Frau (Tilda Swinton) zu tun hat, die nachher ordentlich auf die Nase fällt. Das war nicht wirklich spannend oder aufwühlend – wohl ein Grund dafür, dass ich den Rest vergessen habe.

Der Hauptgrund wird aber sein, dass mir den ganzen Film über so schrecklich kalt war. Zusammen mit Roman und Christoph saß ich nämlich im Freiluftkino in Berlin Friedrichshain. Sehr schön da, wirklich! Aber eben auch sehr kalt. Frierend knabberten wir an hartem türkischen Gebäck.

Die Schwester der Königin

DER war wiederum sehr spannend! Und mit Scarlett Johansson UND Natalie Portman! Die beiden haben toll gespielt und toll ausgesehen und dem Zuschauer einmal mehr bewusst gemacht, wie schwer es die Frauen im Mittelalter hatten. Die männliche Hauptrolle empfand ich mit Eric Bana als irgendwie zu schwach besetzt, wahrscheinlich wirkt aber fast jeder neben diesen beiden grandiosen Schauspielerinnen ziemlich blass.

Achja, worum geht’s? Im 16. Jahrhundert kämpfen zwei Schwestern um die Zuneigung des englischen Königs Heinrich VIII. und gehen dabei ziemlich intrigant vor. Am Ende stirbt jemand. Oder alle? Habe ich vergessen.

Dir Chroniken von Narnia – Prinz Kaspian von Narnia

Nachdem ich den ersten Teil nur auf DVD gesehen hatte, nahm ich mir vor, die beiden restlichen Teile der Trilogie im Kino zu sehen. Das lohnt sich auch ob spektakulärer Naturaufnahmen und schöner animierter Fabelwesen. Was mich am meisten an den Verfilmungen beeindruckt, sind die wunderbaren Jungschauspieler, die man alle so schnell liebgewinnt.

Dieser Teil hatte für mein Gefühl allerdings ein paar Schlachten zu viel. Trotzdem werde ich auch den dritten wieder auf einer großen Leinwand sehen – und wenn es nur ist, um sagen zu können, dass ich doch mal eine komplette Trilogie gesehen habe.

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“Eine Uzi? Ich bin doch kein Gangsterrapper. Ich möchte eine normale Waffe für einen normalen Menschen.”

Was man bei einem Film, der “Brügge sehen… und sterben?” heißt, erwarten kann – darauf gibt es unzählige Antworten. Es könnte die tragische Geschichte einer letzten Reise ein, bevor die Hauptfigur stirbt, oder eine Klassenfahrtskomödie, oder ein Horroschocker. Oder eben ein schmissiger Gangsterfilm.

Wer vor dem Anschauen des Langfilmdebüts von Trotzdem-schon-Oscargewinner Martin McDonagh etwas mehr wissen möchte, für den kommt hier ein kurzer Abriss der Geschichte: Die beiden Auftragskiller Ray (Colin Farrell) und Ken (Brendan Gleeson) werden von ihrem Boss Harry (unfassbar böse: Ralph Fiennes) nach Brügge geschickt. Das ist nicht gerade eine Metropole, wenn es um Auftragsmorde geht. Eigentlich ist Brügge in keinem Bezug eine Metropole. Was sie dort sollen, wissen die beiden jedenfalls nicht, und so versucht der ältere Ken den “kleinen” Ray zu ein bisschen Touristengetue zu überreden.

Bei ihrer Stadtbesichtigung lernen sie neben einer attraktiven jungen Frau mit Nazi-Ex-Freund auch noch eine ziemlich dicke amerikanische Familie kennen und einen Gnom, der gefälligst Zwerg genannt werden will. Schauspieler Jordan Rentice spielt diese Rolle als eine biestige Parodie seiner selbst.

Dann schließlich kommt der lang erwartete Auftrag – und der ist eine große Überraschung.

Der Film lebt zum Einen von seinen Hauptfiguren: Farrell und Gleeson geben ein wunderbar gegensätzliches Paar ab, sie sind wie Dick und Doof. Während man dem liebenswürdigen Ken, der seinen Partner wie einen Sohn behandelt, gar nicht abnehmen möchte, dass er ein kaltblütiger Killer ist, wirkt Ray größtenteils wie ein quengelndes Kind, das genervt ist von “diesem Scheiß-Brügge”, dem Warten, den Touristen, von einfach allem.

Und dann ist es natürlich auch diese verschrobene Geschichte, die eine keimende Liebe und eine unausgesprochene Freundschaft, ein schlimmes Trauma und eine aufregende Verfolgungsjagd zu einem großen Paket verschnürt. Das Ganze ist jeweils lustig, spannend, sogar traurig – und spielt ausgerechnet in Brügge.

Die Stadt wird im Film herrlich auf die Schippe genommen. Trotzdem will man gleich seine Tasche packen und hinfahren. Auch, wenn man dort womöglich schon nach zwei Tagen ebenso große Langeweile empfinden wird wie Ray. Auch, wenn dort die vom Pferdeberuhigungsmittel berauschten Gnome Zwerge nicht zurückgrüßen. Ja, selbst dann, wenn man riskieren muss, dort einem eiskalten Profikiller zu begegnen.

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„Nicht ich habe das Kraftwerk manipuliert. Das Kraftwerk hat mich manipuliert!“

Dass Michel Gondry ein großer, vielleicht der größte aller Bastler ist, wissen wir spätestens seit „Science of Sleep“. Mit „Be Kind Rewind“ (dessen deutschen Titel man sich mal wieder getrost hätte sparen können) übertrifft er sich jedoch noch einmal selbst.

Es geht um den schnuffeligen Mike (Mos Def!), dem von seinem Chef für einige Tage die Verantwortung für die mehr schlecht als recht laufende Videothek übertragen wird. Das Unglück kommt in Form von Mikes Freund Jerry, gespielt von Jack Black, welcher mich hier nach „School of Rock“ wieder in meinem Verdacht bestätigt, dass er eigentlich nur sich selbst spielen kann, oder? Wie auch immer, nach einem misslungenen Anschlag auf ein Elektrizitätswerk ist Jerry magnetisch und löscht alle Kassetten in der Videothek. Aus der Not heraus beschließen die beiden, Kultfilme wie „Ghost Busters“ oder „Rush Hour 2“ einfach nachzudrehen – und sind damit überraschend erfolgreich.

Dieses Mal ist es nicht bloß die schlichtweg überbordende Kreativität Michel Gondrys, die den Zuschauer so begeistert, sondern auch der vielschichtige Humor, in den er das alles verpackt. Hier wird ein Gag nach dem anderen abgefeuert, sei es durch Dialoge, Mimik oder einfach das Bild. Lange nicht mehr habe ich so über einen Film gelacht.

Dazu tragen aber auch die Hauptfiguren bei. Die zwei sind, das muss man wohl so sagen, sicher nicht die hellsten Kerzen im Leuchter. Aber das ist es auch, was sie so liebenswert macht – und was sie mit den übrigen Charakteren gemein haben. Gondry schafft eine Nachbarschaft, die zu skurril ist, als dass sie Wirklichkeit sein könnte, und dennoch wünscht man sich von Herzen, dort einzuziehen.

Und erst die Filme! Um sich Zeit für ihre selbstgedrehten Videos zu verschaffen, erklären Mike und Jerry der Kundschaft, diese müssten erst aus Schweden importiert werden. Die „geschwedeten“ Versionen sind – nach dem grandiosen Erstling „Ghost Busters geschwedet“ – dermaßen erfolgreich, dass die Jungs in Zugzwang kommen. Alle wollen jetzt ihre Do-It-Yourself-Filme sehen. Die beiden suchen sich Verstärkung in Form der süßen Alma (Melanie Diaz) und drehen fortan einen Kultstreifen nach dem anderen. Frei nach dem Motto „ihr wollt es, wir drehen es!“ schaffen sie es sogar, den „König der Löwen“ – einen Zeichentrickfilm! – neu zu verfilmen. Der bunte Trubel wird durch lange Kamerafahrten zusammengefasst, die einem wie Wimmelbilder aus dem Kinderzimmer das Gefühl geben, nie alles sehen zu können, was da an Witz und Ideenreichtum drinsteckt.

Schlussendlich ist es auch diese besondere Gondrymachart, die den Film ausmacht: „Be Kind Rewind“ ist zu keinem Zeitpunkt ein typisch glanzvoller, groß tönender Hollywood-Blockbuster, nicht einmal dann, wenn Sigourney Weaver einen garstigen Gastauftritt hinlegt. Vielmehr hat man am Ende das Gefühl, einen komplett „geschwedeten“ Film gesehen zu haben. Der ist so inspirierend und beglückend wie „Science of Sleep“ – nur eben noch schneller, spannender, bunter und lustiger.

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“Wir sagen ihnen, dass ich bald sterbe. Dann können sie sich wenigstens freuen, wenn ich es nicht tue.”

Mitten im Sommer läuft ein neuer Film, der mitten im Winter spielt. Da kostet es noch mehr Überwindung, sich trotz des guten Wetters ins dunkle Kino zurückzuziehen – aber für „So ist Paris“ lohnt es sich.

Regisseur Cédric Klapisch, der vorher „L’Auberge Espagnole“ gemacht hat, erzählt in diesem Film zum Beispiel die Geschichte des schwerkranken Pierre (Romain Duris) und seiner Schwester (Juliette Binoche). Die verliebt sich in einen Marktverkäufer, der wiederum eine gute Freundin verliert. Dann wäre da noch die Geschichte des Architekten (François Cluzet), der einen Bruder (Fabrice Luchini) hat, der Professor ist und sich in seine Studentin verliebt (die wunderhübsche Melanie Laurent). Sowieso sind ziemlich viele Männer in diesem Film in Laetitia verliebt. Ach, und da sind noch so viele andere Geschichten!

Das Tolle ist, dass zu keiner Zeit versucht wird, sie alle miteinander zu verbinden. Die Episoden stehen für sich allein, hängen insgeheim aber doch zusammen – nur eben nicht so gezwungen wie in anderen Episodenfilmen à la „Tatsächlich Liebe“.

Überhaupt wirkt hier gar nichts gezwungen. Selbst die überraschendste Wendung wird nicht zu dramatisch hochgepuscht, trotz melancholischer Stellen muss man doch nie weinen. Im Gegenteil: Es gibt wunderbar lustige Szenen und geht mitunter sehr beschwingt zu. Hervorzuheben wäre beispielsweise Juliette Binoches grandioser Strip vor ihrem Marktverkäufer. So wenig gekünstelt, so gemütlich hat man so etwas noch nie gesehen. Zu alledem trägt auch der tolle und äußerst bunte Soundtrack bei.

Alles in allem handelt es sich also keineswegs um einen verfilmten Liebesbrief an Paris, mit den üblichen Bildern vom Eiffelturm, Baguettes und Champs Elysees, wie man es wegen des Titels erwarten könnte. Klapisch hat sich diesen Klischees vielmehr genau von der anderen Seite angenähert. Er blickt nicht durch die Touristen- sondern durch die Einwohnerbrille: Für die echten Pariser ist der Eiffelturm nun mal immer weit weg. Er spielt eine Nebenrolle in ihrem Leben, ist eine Zierde, die sie von ihrem Balkon aus blau blinken sehen. Die Baguettes werden sogar beinahe ironisiert, durch die versnobte, ihre Angestellten quälende Besitzerin der Patisserie.

Die Botschaft des Films ist dann aber doch wieder typisch französisch: Im Leben geht es darum, die kleinen Dinge schätzen zu lernen, zu sehen, wie glücklich man eigentlich ist. Nach 130 Minuten hat sich das dem Zuschauer tatsächlich eingeprägt. Er verlässt das Kino mit offeneren Augen, hochmotiviert, die vielen schönen Dinge in der Welt zu entdecken. Und das geht im Sommer ja sowieso viel besser.

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